Tickets für Veranstaltungen in Wien und ganz Österreich

76 Veranstaltungen

01.11.

19:00

+ 4

La Fille du régiment · Oper von Gaetano Donizetti

Marie, als Findelkind vom 21. Regiment aufgezogen, wächst als Marketenderin inmitten ihrer vielen »Väter« auf und zieht mit den Soldaten in die Kriege. In Tirol verliebt sie sich in den jungen Tonio, der aus Liebe zu ihr dem Regiment beitritt. Ihr gemeinsames Glück wird jedoch gestört, als eine angebliche Tante Marie auf ihr Schloss holt, um sie standesgemäß zu erziehen und mit einem passenden Ehemann zu verheiraten. Marie fühlt sich in der fremden Welt unwohl und sehnt sich nach ihrem einfachen Leben. Schließlich setzt sich die Liebe durch: Marie kehrt zu ihrem Regiment und zu Tonio zurück. Laurent Pellys, Meister des liebevollen Humors und der Theaterkomik, schuf eine zeitlose, amüsante und überaus beliebte Inszenierung, die die herzerwärmende Oper Donizettis zur Referenzproduktion machte. Der erste Akt zeigt eine überdimensionale, mehrfach gefaltete Landkarte Tirols, die auf diese Weise eine imposante Berglandschaft vergegenwärtigt, im zweiten Akt bildet ein angedeuteter Salon den Rahmen für Slapstick-Einlagen und höchst skurrile Situationen am laufenden Band. Die Produktion entstand 2007 als Koproduktion der Wiener Staatsoper, der New Yorker Met und des Londoner Royal Opera House. Gaetano Donizettis Genie – nicht zuletzt auch in seinen komischen Opern wie La fille du régiment sehr deutlich zu erleben – zeigt sich im gekonnten Ausbalancieren von Humor, Ironie und Sentiment, an der Fülle an Ohrwürmern und am grundsätzlichen Esprit, der direkt zu einem Jacques Offenbach führen wird. Nicht von Ungefähr ist Donizetti damit auch einer der direkten Vorfahren der Wiener Operette eines Johann Strauß. Zu den bekanntesten Schlagern aus La fille du régiment gehört die extrem anspruchsvolle Tenor-Arie Tonios im ersten Akt mit ihren acht hohen Cs. Manche Interpreten fügen sogar noch ein zusätzliches neuntes ein – und wenn dann, bei ausreichendem Beifall, noch ein Da capo folgt, sind es in Summe sogar 18 hohe Cs innerhalb weniger Minuten! Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

04.01.

+ 3

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Werther · Oper von Jules Massenet

Als der junge Werther sieht, wie liebevoll die Amtsmannstochter Charlotte mit ihren kleinen Geschwistern umgeht, verliebt er sich unsterblich in sie. Auch Charlotte entwickelt Gefühle für ihn, muss ihn aber abweisen. Sie hat ihrer sterbenden Mutter versprochen, ihren Verlobten Albert zu heiraten. Werther kann sich nicht in sein Schicksal fügen und gesteht Charlotte nach ihrer Hochzeit mit Albert erneut seine Liebe. Die wachsende Zuneigung zwischen beiden gipfelt im tragischen Ende: Werther nimmt sich das Leben, Charlotte kann sich nur mehr angesichts des Sterbenden zu ihrer Liebe bekennen. Andrei Serbans 2005 entstandene Inszenierung verlegt die Handlung in behutsamer Weise in die 50er Jahre des 20. Jahrhunderts. Auf der Bühne von Peter Pabst entwickelt sich die Handlung unter, um und in dem großen Baum im Zentrum. Die in seiner Krone sichtbar wechselnden Jahreszeiten bilden unübersehbar das in Werther so wichtige Thema der vergehenden Zeit ab. Als eines der wichtigsten Werke des französischen romantischen Repertoires besticht Werther zugleich durch einen Formpluralismus, den Carl Dahlhaus als im besten Sinne eklektizistisch beschrieb: »Eklektizismus bedeutet bei Massenet nicht einen Verzicht auf Originalität […], sondern die Freiheit, wechselnden Herausforderungen des Gegenstands begegnen zu können.« Auch wenn Massenet mit Werther an den Triumph seiner Manon anschließen wollte, verweigerte er sich dem Diktat des Direktors der Pariser Opéra-Comique, der von ihm hinsichtlich Form und Stil eine Kopie der Erfolgsoper verlangte. Vielmehr suchte er nach neuen schöpferischen Wegen und Ausdrucksformen: So setzte sich Massenet einerseits mit dem Werk Richard Wagners auseinander und experimentierte andererseits mit der Orchestration. Unter anderem ergänzte er das Instrumentarium durch das solistisch eingesetzte Saxophon und erzielte so protoimpressionistisch anmutende Klangfarben. In seinen Erinnerungen stellt Jules Massenet den Verleger und Librettisten Georges Hartmann als die treibende Kraft hinter Werther dar. Die beiden hatten 1885 gemeinsam die für Massenet so wichtige Parsifal -Aufführung in Bayreuth besucht und waren anschließend in verschiedene deutsche Städte gereist, so auch nach Wetzlar, Schauplatz der Ereignisse, die Goethe zu Die Leiden des jungen Werthers inspiriert hatten. Dort hatte Hartmann Massenet auch eine französische Übersetzung von Goethes Briefroman überreicht. Für das Projekt von Massenets Vertonung des Stoffes ging Hartmann sehr weit, wie der Komponist beschreibt: »Er sprach ein vorzügliches Deutsch, er las Goethe im Original, er schätzte die deutsche Seele, und so legte er großen Wert darauf, dass ich mich endlich mit diesem Werk befasste. Als man mir eines Tages vorschlug, eine lyrische Oper zu La vie de Bohème von Murger zu schreiben, verantwortete er es, ohne mich im geringsten zu befragen, diese Arbeit abzulehnen.« Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

06.11.

19:00

Oper

Radamisto · Oper von Georg Friedrich Händel

Theater an der Wien

Wien

06.12.

+ 2

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La Boheme · Oper von Giacomo Puccini

Das Leben einer Gruppe junger Künstler im Paris des 19. Jahrhunderts. Eine Liebesgeschichte zwischen dem Dichter Rodolfo und der Nachbarin Mimi, einer armen Näherin. Ihre Beziehung durchlebt Höhen und Tiefen, während sie gemeinsam mit ihren Freunden Marcello, Musetta, Schaunard und Colline die Freuden und Herausforderungen des Künstlerlebens teilen. Doch tragische Umstände und die Armut der Zeit stellen ihre Liebe auf die Probe. Eine zeitlose Geschichte von Liebe, Verlust und dem Streben nach Schönheit. Franco Zeffirellis bekannte, ja, berühmte Inszenierung steht seit mehr als einem halben Jahrhundert auf dem Spielplan der Wiener Staatsoper. Generationen von Opernbesucherinnen und Opernbesuchern folgten dem tragisch-heiteren Leben der jungen Leute in einer atmosphärisch treffenden wie detailverliebten Bühnenumgebung. Zeffirelli erzählt das zarte Aufkeimen der Liebe zwischen Mimì und Rodolfo mit einem so gerührten wie unpathetischen Blick auf das Paar, mischt zuweilen – nicht zu deftige – Komik unter, bietet pittoreske Bilder in den Massenszenen, um im dritten Bild die auch musikalisch ausgedrückte Winterstimmung gekonnt einzufangen. Seine Setzung des tragischen Finales ist ein Musterbeispiel an gekonnter Zurücknahme: Man sieht Menschen auf der Bühne, deren Leid nicht nur berührt, sondern trifft – besser ist Puccinis Meisterwerk nicht in Bilder zu fassen. Musikalisch fasste Puccini das Geschehen in eine so komplexe wie bilderreiche Klangsprache, die sofort in den Bann zieht. Hier der Trubel der Massen, dort die zarte Annäherung des Liebespaares, dann wieder das große Liebesglück und ebensolcher Schmerz: Ein Kosmos, der das Publikum stets verzaubert und bannt. Wenn etwa Mimì in ihrer großen Arie im ersten Bild den anbrechenden Frühling besingt, dann lässt Puccini den Gesang und das Orchester aufstrahlen und nimmt das Publikum so mit in Mimìs Welt; und wenn er Rodolfo sein Dichterleben besingen lässt, dann ist man ganz bei dem Poeten, in dessen armen, aber jugendlich-stolzen Leben. Da ist es nicht weiter verwunderlich, dass auch ein Thomas Mann in seinem Der Zauberberg auf die besonderen Qualitäten dieser Oper einging. Einer der größten Opern-Skandale in der Zweiten Republik, die Absage der Premiere der aktuellen La bohème -Produktion im Jahre 1963, entbrennt an der Person des Souffleurs. Die italienischen Sänger, die gewohnt waren, im Soufleurkasten einen Maestro Suggeritore, also eine Art soufflierenden Subdirigenten, vorzufinden, hatten diesen auch für ihre Auftritte an der Wiener Oper eingefordert. Karajan bewilligt das Engagement eines solchen Maestro Suggeritore, der Betriebsrat nicht. Da sich die beiden Fronten immer mehr verhärten, kommt es schließlich zum Eklat: Das bereits erschienene Premierenpublikum muss wieder heimgeschickt, die Premiere von La bohème um einige Tage verschoben werden. Aus einer künstlerischen Angelegenheit ist ein schlagzeilenproduzierendes, allgemeines Gesprächsthema geworden. Sichern Sie sich Tickets für ein verzauberndes Opernwerk in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

08.01.

+ 3

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Die verkaufte Braut

Staatsoper Wien

Wien

08.11.

18:00

+ 3

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Salome · Musikdrama von Richard Strauss

Volksoper Wien

Wien

09.01.

+ 3

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Fidelio · Oper von Ludwig van Beethoven

Da Florestan die brutalen und gesetzlosen Willkürakte Don Pizarros aufdecken wollte, hatte ihn dieser aus Rache in einem von ihm geführten Staatsgefängnis eingekerkert, wo Florestan unter unmenschlichen Bedingungen vegetieren muss. Um ihn zu befreien, verdingt sich seine Frau Leonore, als Mann verkleidet unter dem Namen Fidelio, als Schließer. Und tatsächlich gelingt es Leonore, die geplante Ermordung ihres Gatten durch Pizarro im letzten Moment zu verhindern. Und so kann der zu Inspektionszwecken im Gefängnis eintreffende gerechte Minister seinen Freund Florestan und alle weiteren politischen Inhaftierten wieder in Freiheit setzen. Regisseur Nikolaus Habjan hat Beethovens einzige, in Wien uraufgeführte Oper inszeniert und eine zeitlose, über einer konkreten Epoche stehende Sicht auf das Werk geschaffen. Leonore und Florestan werden in dieser Inszenierung jeweils durch eine Puppe verdoppelt, gleichsam in ein Innenleben, einen Seelenausdruck und eine äußere Figur aufgespalten. So wird etwa Leonores quälender Spannungszustand zwischen heftigster Emotionalität und dem Druck, ihre echte Identität zu verbergen, verdeutlicht. »Wenn man darüber nachdenkt, was Beethoven mit seinen Werken wollte, dann stößt man immer wieder auf eine ganz große Idealisierung. Und eine solche steht über einer konkreten Epoche. Daher möchte ich etwas schaffen, das letztlich zeitunabhängig ist. Je weniger ich nun versuche, die Handlung in eine enge, zeitlich oder politisch exakte Situation zu setzen, desto zeitloser wird die Arbeit. Es geht um die großen Themen, die Beethoven verhandelt, und die versteht man auch ganz klar, ohne einen historischen Bezugsrahmen zu nützen.« (Nikolaus Habjan) Beethovens Fidelio ist in manchem noch stark in der traditionellen Singspielwelt verhaftet, weist aber gleichzeitig, was die Emotionalität und die Affinität zum Musikdrama anbelangt, weit in die Zukunft voraus. Nicht zuletzt in so einzigartigen Abschnitten wie in Florestans fiebrig-visionshafter Kerker-Arie, in Leonores eindringlicher Beschwörung der Hoffnung, in Pizarros grausam-triumphierendem »Ha, welch ein Augenblick!«, im vielschichtig, kostbar-schwebenden Quartett »Mir ist so wunderbar« und schließlich im frenetisch aufbrandenden Jubelchor am Schluss. Ludwig van Beethoven hat mit Fidelio nur eine einzige Oper vollendet, diese aber in drei Fassungen: Zunächst übertrug und bearbeitete Joseph Sonnleithner, Direktor des Theater an der Wien, Pierre Gaveaux’ und Jean Nicolas’ französische Rettungsoper Léonore, ou L’Amour conjugal ins Deutsche. Beethoven vertonte dieses Libretto und brachte es 1805 unter dem Titel Fidelio zur Uraufführung. Ein Jahr später wurde die erste Überarbeitung als Leonore herausgebracht, 1814 schließlich die letzte, heute übliche Fassung, als Fidelio . Zur Wiedereröffnung der Wiener Staatsoper nach der Zerstörung im Zweiten Weltkrieg setzte man bewusst Fidelio an – als Sinnbild für Hoffnung, Geschwisterlichkeit und für die nach der Nazi-Diktatur wiedergewonnene Freiheit. Sichern Sie sich Ihre Tickets für ein spannendes Opernerlebnis in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

12.12.

+ 6

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Die Zauberflöte · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Der junge Prinz Tamino erhält von der Königin der Nacht den Auftrag, ihre Tochter Pamina – in die er sich bereits beim Anblick eines Porträts verliebt – aus den Händen Sarastros zu retten. Gemeinsam mit Papageno macht er sich auf die Reise. Im Laufe seiner Unternehmung erkennt Tamino die Güte Sarastros. Er besteht mehrere Prüfungen und darf zum Lohn, gemeinsam mit Pamina, an die Stelle Sarastros treten. Auch Papageno findet eine zu ihm passende Partnerin: Papagena. Die Zauberflöte an der Wiener Staatsoper zeichnet sich durch die detailreiche, geradezu filmische Regiehandschrift von Barbora Horáková aus: Die Handlung beginnt in einem Spukhaus, das von den drei Knaben entdeckt wird. Es ist die dunkle, aber auch magische Welt der Königin der Nacht, in die die drei Knaben hineingezogen werden und wo sich auch Tamino wiederfindet. Schon bald reisen die Zuschauerinnen und Zuschauer mit den Figuren immer weiter in die reale Welt – einen Kohlenkeller, eine Schulklasse, einen »Gentlemen’s Club«, in dem Sarastro über die Zukunft zu entscheiden versucht, Paminas Kinderzimmer – und auch wieder zurück in den sich stets verändernden Raum im eingangs erwähnten Spukhaus… Die Zauberflöte – sie zählt neben La clemenza di Tito und dem Requiem zu den letzten großen Werken des Komponisten – zeigt eindrucksvoll Mozarts Spätstil. Bei aller Vielschichtigkeit des Geschehens reduziert der Komponist mehr und mehr das musikalische Gefüge und stößt so zum wirklich Essenziellen vor. Die Zauberflöte macht aber auch das Nebeneinander und Miteinander der unterschiedlichen musikalischen Texturen aus: Papageno entstammt teils dem Vorstadttheater-Stil ( Die Zauberflöte wurde im Wiener Freihaustheater auf der Wieden uraufgeführt), andere Figuren des Werks hingegen bevölkern deutlich »opernhaftere« Sphären. Mozarts Die Zauberflöte , zum Großteil entstanden zwischen Frühjahr und Herbst 1791, wurde im Freihaustheater auf der Wieden in Wien uraufgeführt. Das Libretto zur Oper verfasste Emanuel Schikaneder, der Impresario des Theaters, der auch die Rolle des Papageno spielte. In seinem Zauberflöten -Libretto orientierte sich Schikaneder an der herrschenden Vorstadttheater-Sitte, verband Elemente diverser Märchenerzählungen mit bekannten Musiktheater-Stoffen seiner Zeit. So sind einzelne Einflüsse der Geisteswelt der Freimaurer, des Ägyptischen, des populär-Geheimnisvollen zu finden. Die erste Zauberflöten -Vorstellung in der heutigen Wiener Staatsoper fand am 1. September 1869 statt – zuvor hatte man darüber nachgedacht, das Haus am 25. Mai 1869 mit dieser Oper zu eröffnen. Zauberflöten -Motive finden sich auch in der Ausschmückung des Gebäudes – etwa in den Fresken der Schwind-Loggia. Sichern Sie sich jetzt ihre Karten für die Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten für eine der beliebtesten Opern jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

12.12.

19:00

+ 5

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Hänsel und Gretel · Oper von Engelbert Humperdinck

Volksoper Wien

Wien

14.11.

+ 5

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L'elisir d'amore · Oper von Gaetano Donizetti

Der schüchterne Nemorino liebt die selbstbewusste Adina, die ihn jedoch nicht ernst nimmt. In seiner Verzweiflung kauft er vom windigen Quacksalber Dulcamara einen vermeintlichen Liebestrank – in Wahrheit nur Wein. Durch Zufall erbt Nemorino Geld und wird plötzlich begehrt, was Adinas Eifersucht weckt. Schließlich erkennt sie ihre wahren Gefühle. Am Ende finden die beiden zueinander, und Nemorino glaubt fest an die Wirkung seines »Elixiers«. Otto Schenks klassische Inszenierung hüllt das Werk in ein warmes, »menschelndes« und heiteres Licht. In klaren Bildern erzählt er die Geschichte von Adina und Nemorino, formt aus den Opernfiguren anziehend gestaltete Charaktere, deren Glück man sich als Zuschauer förmlich herbeiwünscht. Wie so oft bei seinen Arbeiten zählt auch bei seiner L’elisir d’amore -Produktion in erster Linie eine Sinnlichkeit des Lebens und der Figuren – einem rein intellektuellen, »verkopften« Zugang stand er stets kritisch gegenüber. Oder, wie es eine langjährige Mitarbeiterin und Oberspielleiterin formulierte: »Wenn man über Otto Schenks Arbeiten spricht, ist die Kernaussage wohl, dass es ihm immer um den Menschen ging. Mit Mitgefühl, mit einem liebevollen, aber durchaus auch kritischen Blick.« »Ich wäre sehr froh, hätte ich den Liebestrank komponiert«, so schwärmte der Komponist Felix Mendelssohn Bartholdy von Donizettis Opern-Dauerbrenner L’elisir d’amore . Er ist nicht der Einzige. Denn nicht nur der Allzeit-Schlager »Una furtiva lagrima« rangiert in vielen privaten Opern-Hitparaden an oberster Stelle, das gesamte Werk funkelt vor Einfallsreichtum und raffiniertem musikalischen Ausdruck. Das Werk selbst steht (neben Einflüssen der französischen Opéra comique) in der Tradition der komischen italienischen Oper, reicht aber über ein Modell des nur Heiteren hinaus: Neben dem Komischen und Unbeschwerten findet sich auch – siehe etwa »Una furtiva lagrima« – Melancholisches und Tiefgängiges. Und gerade diese Mischung macht den besonderen Zauber des Liebestranks aus! Einen seiner größten und bleibendsten Erfolge feierte Donizetti mit L’elisir d’amore – auch wenn aufgrund der Umstände der Entstehung alles andere als ein Triumph zu erwarten gewesen war: Die Direktion des Mailänder Teatro della Canobbiana hatte sich Mitte April 1832 händeringend mit der Bitte um eine Oper an den bekanntlich schnell arbeitenden Donizetti gewandt, weil ein anderer Komponist kurzfristig abgesprungen war. Tatsächlich schuf Donizetti gemeinsam mit dem Librettisten Felice Romani innerhalb kürzester Zeit – in der Literatur findet sich stets der Hinweis »innerhalb von zwei Wochen« – eine neue zweiaktige Oper, eben L’elisir d’amore . Und im Gegensatz zu vielen anderen heute populären Opern der Musikgeschichte zeigte das Werk keinerlei Anlaufschwierigkeiten bei den Zuschauerinnen und Zuschauern: L’elisir d’amore war von der Uraufführung am 12. Mai 1832 an ein Publikumsrenner, der sehr bald von zahllosen Opernhäusern in und außerhalb Italiens nachgespielt wurde. Sichern Sie sich Tickets für einen humorvollen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

15.11.

19:00

+ 3

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Madama Butterfly · Oper von Giacomo Puccini

Für den Marineleutnant Benjamin Franklin Pinkerton ist die Ehe mit Cio-Cio-San, genannt Butterfly, eine unverbindliche Annehmlichkeit während seines Aufenthalts in Nagasaki. Cio-Cio-San nimmt die Hochzeit dagegen sehr ernst. Sie tritt zum christlichen Glauben über und nimmt den Bruch mit ihrer Familie in Kauf. Pinkerton kehrt in die USA zurück. Als er nach drei Jahren zurückkehrt, wird er von seiner neuen Frau begleitet. Sie kommen, um das Kind zu sich zu holen, das Cio-Cio-San nach Pinkertons Abreise geboren hat. Sie bereitet das Kind zur Abreise vor und nimmt sich das Leben. Die poetische, mit japanischen Stilelementen arbeitende Inszenierung des 2008 verstorbenen Hollywoodregisseurs Anthony Minghella wurde von der Metropolitan Opera New York, der English National Opera und dem Litauischen Nationaltheater für Oper und Ballett koproduziert. Für die Premiere an der Wiener Staatsoper am 7. September 2020 übernahm Carolyn Choa die aufwändige Neueinstudierung. Choa, die mit Anthony Minghella verheiratet war, schuf Choreographien für zahlreiche Operninszenierungen und inszenierte auch selbst; für die Choreographie in Minghellas Inszenierung von Madama Butterfly erhielt sie zusammen mit dem Regisseur einen Olivier-Award. Zur musikalischen Darstellung Japans im Konflikt mit seiner durch die amerikanische Marine 1853 erzwungenen Öffnung und Verwestlichung verfremdete Puccini seine Musiksprache, indem er sie durch Material aus originalen oder vermittelten fernöstlichen Quellen anreicherte: Neben Anleihen bei Transkriptionen japanischer Musik des Brucknerschülers Rudolf Dittrich verwendete er Melodien einer in der Schweiz für den Export nach China hergestellten Spieluhr, setzte ein um japanische Instrumente erweitertes Schlagwerk ein und ließ sich auch von einer Kabuki-Theater-Aufführung inspirieren. Der Exotismus in Puccinis Butterfly-Partitur ist dabei mehr und anderes als folkloristisches Dekor. Er setzt eine Kolonialismuskritik in Szene, die das Werk für postkoloniale Fragestellungen und Lektüren fruchtbar macht. Bei einem kritischen Blick auf exotistische Tendenzen in Madama Butterfly sollte man nicht vergessen, dass auch Leutnant Pinkerton für Puccini und sein zunächst italienisches Publikum zu einer fremden Kultur gehörte. Ebenso wie der japanische Beamte mit der japanischen Hymne vorgestellt wird, ertönt bei Erwähnung der Vereinigten Staaten »The Star-Spangled Banner«, heute die amerikanische Nationalhymne und zur Entstehungszeit der Oper bereits offizielle Hymne der US Navy, selbstverständlich nach Art einer Blaskapelle instrumentiert. Puccini reizte ausdrücklich die Darstellung der zwei fremden Welten Japan und Amerika, nicht zuletzt war deswegen auch ein Akt geplant, der in der amerikanischen Botschaft spielt. Während der Arbeit schrieb Puccini an Ricordi, er bemühe sich, »Herrn F. B. [sic] Pinkerton so amerikanisch singen zu lassen wie möglich« (Ann-Christine Mecke). Sichern Sie sich Ihre Karten für die Staatsoper Wien und buchen Sie jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

17.01.

+ 4

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DON CARLOS (FRANZ.) · Oper von Giuseppe Verdi

Im Mittelpunkt der Ereignisse, die in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts spielen, steht der spanische Kronprinz Carlos. Er ist unsterblich verliebt in Elisabeth von Valois, die ihm seit Kindheitstagen zur Frau bestimmt ist, ehe sie sein verwitweter Vater König Philipp II. für sich beansprucht. Dieser private Konflikt wird durch einen politischen verschärft: durch die Forderung Carlos’ nach der Regentschaft der aufständischen niederländischen Provinzen – eine vor dem Hintergrund der Inquisitionsprozesse und der Macht des Großinquisitors fatale Situation. Regisseur Peter Konwitschny spannte in seiner Inszenierung zwischen den Figuren ein Beziehungsgeflecht von atemberaubender Dichte. Zunächst von Teilen des Publikums abgelehnt, erhielt die Produktion bald Kultstatus und wird heute bei jeder Wiederaufnahme mit großer Euphorie empfangen. Die von ihm darüber hinaus geschaffene humoristisch-pantomimische Einlage zur großen Ballettmusik Verdis im dritten Akt vergrößert die Fallhöhe der Tragödie. Besonderer Fokus liegt für Konwitschny auf dem utopischen Moment, das Verdi mit der Errettung von Carlos und Elisabeth am Ende der Oper zeigt. Für den Regisseur ist der Schluss demnach keine realistische Forterzählung, sondern eine Art Veto des Komponisten gegen den Sieg der liebes- und lebensfeindlichen Autoritäten. Mit Don Carlos schuf Verdi einen wesentlichen Beitrag zur Gattung der französischen Grand opéra. Diverse Schwierigkeiten während der Einstudierung führten dazu, dass der Komponist gegen seinen Willen zahlreiche Kürzungen vorzunehmen hatte, ehe das Werk 1867 seine Uraufführung erlebte. Die Produktion an der Wiener Staatsoper zeigt die rekonstruierte Urfassung, die auch jene Passagen beinhaltet, die Verdi 1867 hatte streichen müssen. Das besondere Atout dieser Fassung ist ihre stilistische Einheitlichkeit und eine überaus präzise psychologisch ausgearbeitete Figurenentwicklung. Verdi hatte bei der Komposition des Don Carlos mit zwei sehr profanen Dingen zu kämpfen: mit dem Pariser Vororte-Zug und den Nachmahl-Gepflogenheiten des Publikums. Vorstellungen durften nämlich grundsätzlich nicht zu früh beginnen, da die Zuschauerinnen und Zuschauer das Abendessen gemütlich und nicht überstürzt vor einem Opernbesuch einnehmen wollten. Zugleich durfte eine Aufführung nicht länger als bis zur Abfahrt des letzten Zuges dauern, der die Besucherinnen und Besucher aus den Vorstädten wieder heimbrachte. Eingekeilt zwischen diesen beiden zeitlichen Fixpunkten musste daher die Partitur wenige Tage vor der Uraufführung empfindlich zurechtgestutzt werden. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

17.12.

+ 4

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La Damnation de Faust · Oper von Hector Berlioz

Staatsoper Wien

Wien

18.12.

18:00

+ 11

Oper

Der kleine Prinz · Oper von Pierangelo Valtinoni

Theater an der Wien

Wien

19.01.

+ 4

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Don Giovanni · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Der legendäre Frauenheld Don Giovanni erobert skrupellos und rücksichtslos die Herzen der Frauen. Seine Untaten bleiben jedoch nicht ungestraft, als er eines Tages den Komtur herausfordert und tötet. Als Don Giovanni versucht, seinen Verfolgern zu entkommen und seine Taten zu verbergen, wird es brenzlig. Doch am Ende wird er von einer übernatürlichen Macht zur Rechenschaft gezogen und in die Hölle gezogen, während alle anderen über die Vergänglichkeit der Macht und die Gerechtigkeit des Schicksals nachdenken. Die Oper ist eine fesselnde Darstellung von Liebe, Verführung, Rache und moralischer Verantwortung. Barrie Koskys Inszenierung von Don Giovanni greift die in der Stückvorlage enthaltene Ambivalenz zwischen grotesker Komödie und düsterem Drama auf und blickt dabei tief in die Psyche der Figuren. Vater-Kind-Konflikte, Herr-und-Knecht-Dynamiken und die ewige Suche nach der eigenen Identität spielen bei der Deutung der Figuren eine essenzielle Rolle. Der Raum, den das Stück schafft, wird bei Kosky zu einem »Laboratorium für widersprüchliche Ideen über die menschliche Existenz ohne fertige Antworten.« Das Drama fokussiert sich auf das tiefenpsychologische, dionysische und gefährliche der einzelnen Figuren, die schlussendlich Verantwortung für ihre eigenen selbstzerstörerischen Triebe übernehmen müssen. Unverwechselbar sind die ersten Akkorde der Ouvertüre von Don Giovanni in d-Moll – einer Tonart, die v. a. als Ausdruck besonders düsterer und dramatischer Momente galt und die im Gesamtwerk Mozarts eine Sonderstellung einnimmt. So steht beispielsweise auch das Requiem (KV 626), das Letztwerk vor seinem frühen Tod, in d-Moll. Ebenso die bekannte Fantasie d-Moll (KV 397) oder das Streichquartett Nr. 15 (KV 421), eines der wenigen Streichquartette in einer Moll-Tonart, über das seine Frau Constanze in einem späteren Brief behauptete, er habe es während der Entbindung ihres ersten Sohnes komponiert. »Opera buffa« notierte Mozart in seinem Verzeichnis aller meiner Werke am 28. Oktober 1787 zu Don Giovanni – und ordnete das Werk somit eindeutig dem komischen Genre zu. Eine auf den ersten Blick kuriose Zuschreibung, die längst kanonischer Gegenstand der musikwissenschaftlichen Forschung geworden ist. Auch wenn, u. a. der romantischen Rezeption der Oper geschuldet, heutezutage häufig die tragischen Aspekte der Oper hervorgehoben werden, ist die Verwurzelung im komischen Genre nicht zu verleugnen: heitere Arien, Wortwitze oder Buffa-Figuren wie die des Leporello oder des »niederen« Paares Zerlina und Masetto, die der Figurentypologie der sogenannten Commedia dell’arte entstammen. Aber auch Merkmale der »semiseria«, dem halbtragischen Genre, weist das Werk auf. Für Regisseur Barrie Kosky lebt Don Giovanni gerade von dieser Balance zwischen Komödie und Tragödie. Sichern Sie sich Tickets für eines der größten Meisterwerke der Operngeschichte in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

19.11.

19:00

Oper

Ermione · Oper von Gioachino Rossini

Theater an der Wien

Wien

19.12.

+ 2

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Les Pêcheurs de perles · Oper von Georges Bizet

An der Küste Ceylons wird Zurga zum Anführer der Perlenfischer gewählt. Die Priesterin Leila soll verschleiert mit ihrem Gesang Schutz gewähren. Als Zurgas Jugendfreund Nadir zurückkehrt, flammt ein alter Konflikt auf: Beide liebten einst dieselbe Frau und schworen, ihr zu entsagen. Nun erkennen sie in Leila eben jene Geliebte. Nadir und Leila brechen ihre Schwüre und werden zum Tode verurteilt. Im entscheidenden Moment greift Zurga ein: Er erinnert sich, dass Leila ihm einst das Leben rettete, überwindet seine Eifersucht und ermöglicht den Liebenden die Flucht. Aufgrund des Verlustes der Partitur lassen sich die Absichten des erst 25-jährigen Bizet, den entlegenen Schauplatz musikalisch zu rahmen, vor allem aus Rhythmik und Harmonik der großen Chorszenen erahnen. Als Erneuerung des Treueschwures zwischen Nadir und Zurga steht das berühmte Duett Au fond du temple saint sowohl thematisch als auch musikalisch im Zentrum des Werks. So selten die Perlenfischer nach der Uraufführung am 30. September 1863 gespielt wurden, so häufig wurde der Schluss des dritten Aktes geändert. Bei fast jeder der Wiederaufnahmen und Neuproduktionen im Verlauf des 19. Jahrhunderts mussten dabei andere Hauptfiguren auf eine jeweils neue Weise zu Tode kommen. Mittlerweile ist es üblich, wieder Bizets Urfassung zu spielen, von der allerdings keine Partitur, sondern nur der Klavierauszug erhalten ist, weswegen gerade in der Instrumentierung mit Rekonstruktionen gearbeitet werden muss. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

20.12.

19:00

Oper

Juditha triumphans · Oper von Antonio Vivaldi

Theater an der Wien

Wien

21.11.

+ 3

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Luisa Miller · Oper von Giuseppe Verdi

Luisa, die Tochter des Veteranen Miller, liebt einen jungen Jägerburschen, der mit dem Herrschaftsantritt des neuen Feudalherren in ihr Dorf gekommen ist. Aber auch Wurm, der Schlossverwalter, ist in Luisa verliebt. Er enthüllt ihrem Vater die wahre Identität des vermeintlichen Jägerburschen: Es ist Rodolfo, der Sohn des Feudalherren, was eine Ehe mit Luisa aus Standesgründen unmöglich macht. Rodolfo will um seine Liebe kämpfen, doch dabei geraten er und Luisa in die Fallstricke der intriganten und korrupten Hofgesellschaft. Verdis Oper spielt in zwei Welten: in einem Tiroler Dorf und im Schloss des Feudalherren. Der Regisseur und Bühnenbildner Philipp Grigorian visualisiert die dörfliche Idylle durch das »Arbeiterparadies« eines Unternehmens, in dem Luisa und ihr Vater beschäftigt sind. Und Graf Walter plant seine mafiösen Machenschaften in einer protzigen Sauna. Walters Sohn Rodolfo hat sich verkleidet, als gehörte er zu den Arbeitern, um Luisa, in die er sich verliebt hat, nahe zu sein. Doch damit gefährdet er die junge Frau und ihren Vater auf unverantwortliche Weise, denn Graf Walter hat seinem Sohn eine ganz andere Partnerin bestimmt: die mächtige Federica. Diese entsteigt einer rosafarbenen Stretchlimousine und ist nicht bereit, auf Rodolfo zu verzichten. Wir erleben das ganze Stück nicht in einer realistischen Ästhetik, sondern aus der Erinnerung des Vaters Miller, der den Tod seiner Tochter überlebt hat und sich wie in einem surrealen Albtraum an die Ereignisse erinnert. Dieser Traum verbindet die unterschiedlichsten Assoziationen – wir erleben das toxische Geschehen, von dem Verdis Oper berichtet, als psychedelisch angehauchte Graphic Novel. Verdis abgründig-brillante, ausdrucks- und emotionsgesättigte Musik zelebriert nicht nur die Hingabe an große Leidenschaften, sondern macht auch die bedrückende und abstoßende Enthemmung ihrer Abgründe erfahrbar. Verdi war 36 Jahre alt, als er 1849 in Neapel Luisa Miller zur Uraufführung brachte. Die Oper entstand kurz vor der „volkstümlichen Trias“ Rigoletto, Troubadour, Traviata (1851-53). Aufgrund der Dichte ihrer musikalischen Inspiration ist die Oper ein vollgültiges Werk aus Verdis Reifezeit, mit Vorgriffen sogar auf das Schlussbild des Otello: Beide Finali schildern den Eifersuchtsmord eines Liebenden an seiner Geliebten, die er aufgrund einer Intrige für treulos hält. Aus deutschsprachiger Perspektive wird die Radikalität der Oper unterschätzt, weil man glaubt, sie an der Schauspielvorlage, Schillers bürgerlichem Trauerspiel Kabale und Liebe (1784) messen zu dürfen. In Wahrheit stellt die Oper Höhepunkt und Ende der italienischen Semiseria-Tradition dar, welche die über Standesgrenzen sich hinwegsetzende Liebe zu einem stets glücklichen Ende führte – trotz schmerzlicher Schicksalsschläge und Missverständnisse. Hier zerbricht die fragile Liebe zwischen dem Sohn des Feudalherren und einer Soldatentochter in den Mühlen von Macht- und Heiratspolitik, Intrige und Verbrechen. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

22.01.

19:00

+ 2

Oper

Così fan tutte · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Haus für Mozart

Salzburg

22.11.

+ 7

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Ariadne auf Naxos · Oper von Richard Strauss

Als die geplante Aufführung seiner Opera seria Ariadne auf Naxos im Palast eines Wiener Neureichen mit der Tanzmaskerade einer italienischen Komödientruppe zusammengelegt wird, ist der junge Komponist zunächst verzweifelt. Dass er sich einverstanden erklärt, ist vor allem der Tänzerin Zerbinetta zu verdanken. In der Oper selbst begegnen wir Ariadne, verlassen und verzweifelt. Erst dem Gott Bacchus gelingt es, sie zu neuem Leben zu erwecken. In der mystischen Vereinigung der beiden bleibt noch Platz für Zerbinettas Spott: »Kommt der neue Gott gegangen, hingegeben sind wir stumm!« Barrie Kosky verlegt den Beginn von Ariadne auf Naxos in die Villa Beer – ein großbürgerliches Wiener Haus um 1900. Hier trifft sich eine Gesellschaft, in der sich das wohlhabende Bürgertum mit Künstlern der Oper und der Operette umgibt – ein Ort, an dem Ernst und Unterhaltung, große Oper und leichte Muse selbstverständlich ineinandergreifen. Für Kosky liegt die Herausforderung des Stücks im ständigen Umschlagen zwischen Pathos und Leichtigkeit. Diese Gegensätze treiben sich gegenseitig an und drohen immer wieder aus der Balance zu geraten. Wird das eine zu schwer, kippt das andere. Gerade aus diesem Momentum heraus entsteht jene Spannung, die den Abend trägt. Zerbinetta und ihre Truppe gehören äußerlich zur Commedia dell’arte. Kosky legt jedoch offen, was sich hinter dieser Chiffre verbirgt: der Kosmos der Operette mit einer neuen Generation emanzipierter Frauen. Zerbinetta steht für Bewegung, Wechsel und die Freiheit, sich immer neu zu binden. Die Vorstellung, einem einzigen Mann treu zu bleiben, ist ihr fremd. Ariadne dagegen hält an genau dieser Idee fest – und mit ihr an einer Ernsthaftigkeit, die Schmerz und Verlust nicht relativiert. Zwischen beiden entsteht kein simpler Gegensatz, sondern ein Spannungsfeld zweier Haltungen zum Leben und zur Welt. Am Ende steht Bacchus: Dionysos, der Gott des Theaters. Für Kosky ist er eine Figur, die diese Gegensätze nicht auflöst, sondern verwandelt. Das Theater beginnt dort, wo sich Tragisches und Komisches gegenseitig antreiben, Funken schlagen – und etwas Neues entsteht. Ariadne auf Naxos gehört zu den subtilsten Partituren von Richard Strauss. Charakteristisch ist der fließende Wechsel zwischen gegensätzlichen musikalischen Ebenen: Im Vorspiel überwiegt ein beweglicher, rezitativischer Duktus, während die Oper in der Oper stärker von großen, weitgespannten Bögen geprägt ist – beide Ausdrucksformen durchdringen jedoch das gesamte Werk. Dabei verlangt die Musik eine besondere Balance. Komödiantische Leichtigkeit und heroischer Ton müssen nahtlos ineinandergreifen, ohne einander zu überdecken. Gerade diese Verbindung macht den Reiz der Partitur aus: Strauss arbeitet mit feinen Übergängen, nicht mit scharfen Brüchen. Trotz vergleichsweise kleiner Orchesterbesetzung entsteht eine erstaunliche Vielfalt an Farben und Ausdrucksformen. Immer wieder öffnet sich die Musik zu großer Emphase, etwa in den letzten Minuten der Oper, die wie ein Höhepunkt einer durchgehenden musikalischen Wellenbewegung wirken. Zugleich bleibt die Musik eng an Sprache und Szene gebunden. Der spezifische Tonfall des Librettos – geprägt vom Wiener Sprachduktus der Zeit – wird musikalisch aufgenommen und weitergeführt. Ariadne auf Naxos hat eine ungewöhnliche Entstehungsgeschichte. In der ersten Fassung von 1912 war die Oper Teil eines Theaterabends nach Molières Der Bürger als Edelmann . Zunächst wurde ein Schauspiel mit eigener Handlung gespielt, an dessen Ende die Oper als festliche Einlage folgte – auch Zerbinetta und ihre Truppe treten hier als Teil dieses Bühnenprogramms auf. Erst die Überarbeitung von 1916 brachte die heute bekannte Form. Das Schauspiel wurde gestrichen und durch ein neu komponiertes Vorspiel ersetzt, das unmittelbar vor Beginn der Oper spielt. Zum ersten Mal wird damit die Entstehung der Aufführung selbst zum Thema – und die Oper zu einem Stück über das Theater. Im Zentrum steht ein Thema, das Hofmannsthal als »simples und ungeheures Lebensproblem« bezeichnete: die Treue. Während Zerbinetta den ständigen Wechsel der Liebe als selbstverständlich begreift, hält Ariadne an der Idee einer einzigen, absoluten Bindung fest. Gerade diese Verbindung von Theaterreflexion und existenzieller Frage macht Ariadne auf Naxos bis heute so besonders. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

25.10.

19:00

+ 3

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L'Orfeo · Oper von Claudio Monteverdi

Das Glück des Sängers Orfeo und seiner Euridice ist von kurzer Dauer: Am Tag ihrer Hochzeit wird Euridice durch einen Schlangenbiss getötet. Orfeo weigert sich, das Schicksal anzunehmen, und beschließt, in die Unterwelt hinabzusteigen, um Euridice zurückzuholen. Kraft seines Gesanges dringt er in das Totenreich vor und überredet dessen Herrscher, Proserpina und Pluto, Euridice freizugeben. Doch wird Orfeo die Bedingung gestellt, sich während des gemeinsamen Aufstiegs nicht nach ihr umzublicken. Auf dem Weg kommen Orfeo aber Zweifel, ob Euridice ihm wirklich folgt, sodass er sich zurückwendet. Da entschwindet ihm die Geliebte – diesmal für immer. Regisseur Tom Morris nahm den alten Gedanken eines gemeinsamen höfischen Festes ernst und schuf für die Produktion eine Atmosphäre, die dem Publikum vermittelt, selbst Gast auf einer Hochzeit zu sein und in das bunte theatrale Ereignis miteinbezogen zu sein. In Orfeo sind vielerlei Zutaten enthalten: die Madrigalkunst der Spätrenaissance, Einflüsse aus der Musik des französischen Hofes, die ersten Opernversuche der Florentiner Camerata sowie allerlei Militär- und Volksmusik. Den Rahmen für Orfeo steckte dabei die Form der Tragödie ab, die als Vorwand galt, um ein aufwendig gestaltetes höfisches Fest zu veranstalten und gleichermaßen ein dramatisch-musikalisches Bekenntnis abzugeben. Auch hier wieder unterschiedlichste Zutaten: Szenerie, Bühnenmaschinerie, polyphone Elemente, Tänze, rein instrumentale Teile, Rezitative sowie detailliert ausgestaltete Bühnenfiguren. 2022 kam Monteverdis L’Orfeo erstmals an der Wiener Staatsoper zur Aufführung. Die Produktion war Teil eines erstmals an diesem Haus realisierten Zyklus aller drei noch existierenden Opern des Komponisten und zugleich eine Reverenz vor dem eminenten Einfluss, den gerade dieses 1607 uraufgeführte Werk auf die gesamte Musikgeschichte hatte. Im Oktober und November wird mit Rolando Villazón eine Künstlerpersönlichkeit die Titelpartie verkörpern, die in ihrer Vielseitigkeit, ihrer ansteckenden Leidenschaftlichkeit für Musik und Musiktheater und ihrer sprühenden Kreativität seit bald einem Vierteljahrhundert die internationale Opernwelt bereichert. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

26.10.

19:00

+ 4

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Otello · Oper von Giuseppe Verdi

Desdemona hat sich in den ausländischen General Otello verliebt und gegen den Willen ihres Vaters geheiratet. Jago, ein intriganter, bösartiger Fähnrich Otellos, will diesen zerstören. Und tatsächlich gelingt ihm dies auf raffinierte Weise: er kann Otello nach und nach überzeugen, dass seine Abgöttin Desdemona ihn betrügt. Erst nachdem Otello daraufhin seine Frau voller Hass und Eifersucht ermordet hat, wird ihm ihre Unschuld klar. Voller Reue ersticht sich Otello und nimmt sterbend mit einem Kuss Abschied von der geliebten Toten. Die aktuelle Inszenierung – es ist die insgesamt achte an diesem Haus – stammt von Adrian Noble, der die Handlung gemeinsam mit seinem Ausstatter Dick Bird an den Beginn des 20. Jahrhunderts verlegt, um die Spannungen, die sich durch den Gegensatz zwischen der lokalen Bevölkerung und der fremden venezianischen Militärmacht ergeben, vor dem Hintergrund des Kolonialismus zu beleuchten. Zusätzliche Inspirationsquellen für die Produktion waren für Noble und Bird die künstlerischen Auseinandersetzungen skandinavischer Dramatiker und Maler mit dem Thema Eifersucht, das Shakespeare einst als gefährlichste menschliche Emotion einstufte. Musikalisch stellt die Vertonung von Shakespeares Othello den Schlusspunkt von Verdis lebenslangen Bemühungen dar, dem standardisierten Schematismus des italienischen melodramma den Atem des wahren Dramas einzuhauchen. Die Formen und Formeln ordnen sich dem von Verdi spätestens seit den 1850er-Jahren erstrebten »Ganzen« unter und sind nicht mehr musikalischer Selbstzweck, sondern erstehen allein aus der immanenten Gesetzmäßigkeit des Dramas, das sie beglaubigt. So groß Verdis Begeisterung für das Werk Shakespeares auch war, im Endeffekt basierten nur drei seiner Opern auf Vorlagen des englischen Dramatikers – neben Macbeth waren dies seine zwei letzten Werke für das Musiktheater, also Otello und Falstaff , die er beide auf Libretti seines ehemaligen künstlerischen Kontrahenten Arrigo Boito komponierte. Die gemeinsame Arbeit an Otello dauerte rund sieben Jahre, ehe die Oper am 5. Februar 1887 an der Mailänder Scala erfolgreich uraufgeführt wurde. In kürzester Zeit wurde Otello weltweit nachgespielt, so auch in Wien, wo die Oper am 15. Marz 1888 an der Hofoper, der heutigen Staatsoper, zur österreichischen Erstaufführung gelangte. Die vieraktige Oper, die ursprünglich den Titel Jago hatten tragen sollen, weist im Vergleich mit Shakespeare einige offensichtliche äußere Unterschiede auf: So wurde zum Beispiel der erste Akt des Schauspiels weggelassen, dafür aber mit dem Credo des Jago eine Selbstreflexion eingefugt, die ihn als Bösewicht klarer fassbar erscheinen lasst als im Sprechstuck. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

26.11.

19:00

Oper

Spartaco · Oper von Giuseppe Porsile

Theater an der Wien

Wien

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