Tickets für Veranstaltungen in Wien und ganz Österreich

76 Veranstaltungen

03.10.

19:00

+ 4

Eine florentinische Tragödie / Herzog Blaubarts Burg · Oper von Alexander von Zemlinsky, Béla Bartók

Die beiden Kurzopern Eine Florentinische Tragödie und Herzog Blaubarts Burg sind inhaltlich durch eine zentrale Thematik verbunden: Es geht um das fortschreitende Erkennen des nur scheinbar vertrauten Gegenübers. In Zemlinskys Eine Florentinische Tragödie mündet die Ermordung von Biancas Geliebtem durch ihren eifersüchtigen Gatten Simone in einem Dialog der beiden Eheleute, der ganz überraschend einen neuen Liebesbeginn signalisiert. In Bartóks Einakter wird Judiths Reise zu den inneren Abgründen des von ihr geliebten Herzog Blaubart – symbolisiert durch das Öffnen sieben geheimnisvoller Türen – hingegen in Dunkelheit und Einsamkeit enden. Obwohl nahezu zur selben Zeit entstanden, bieten die zwei Stücke des Abends, Eine Florentinische Tragödie und Herzog Blaubarts Burg , vollkommen unterschiedliche Klangwelten, was dieser Kombination einen zusätzlichen Reiz verleiht. In Herzog Blaubarts Burg , vom Librettisten Béla Balázs als Mysterium bezeichnet, hört man den Einfluss der französischen Impressionisten ebenso heraus wie Béla Bartóks Beschäftigung mit der osteuropäischen Volksmusik. Ein besonderer Fokus liegt auf dem Orchester, das hier die eigentliche Hauptrolle übernimmt und die emotionale Berg- und Talfahrt der Akteure ebenso schildert wie die eigentliche Erzählung des Dramas. Den beiden Handelnden, Judith und dem Herzog, kommt über große Strecken der Part einer kommentierenden Deklamation zu. In Alexander Zemlinskys Eine Florentinische Tragödie blüht dem Publikum, von Oscar Wildes bildreicher Dichtung inspiriert, eine ungemein üppige Orchesterpracht entgegen, die zwischen der Spätromantik und der Moderne changierend, klar von Johannes Brahms, Gustav Mahler und Richard Strauss beeinflusst wurde. An der Wiener Staatsoper wurden Eine Florentinische Tragödie und Herzog Blaubarts Burg jeweils erst ein einziges Mal produziert: Eine Florentinische Tragödie kam im Uraufführungsjahr 1917 auf eine einzige Vorstellungsserie, und Herzog Blaubarts Burg erreichte zwischen 1985 und 1989 lediglich neun Vorführungen. Die Neuproduktion bringt somit beide Werke nach langer Pause wieder zurück ins Repertoire des Hauses. Und das in einer Besetzung mit geradezu ikonischen Sängerpersönlichkeiten der Opernwelt. So wird Asmik Grigorian beide Frauenrollen übernehmen und dadurch eine zusätzliche Verbindung zwischen den Stücken schaffen. Als Herzog Blaubart kehrt Florian Boesch zurück, und als Simone wird Christopher Maltman mit einer weiteren Partie auf dieser Bühne zu erleben sein. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

04.09.

19:00

+ 4

Oper Wenige Tickets

Don Carlo · Oper von Giuseppe Verdi

Der spanische Thronfolger Don Carlo hätte die französische Prinzessin Elisabeth heiraten sollen. Nach einem ersten Kennenlernen sind die beiden ineinander verliebt. Überraschend gibt der spanische König Philipp II. bekannt, Elisabeth selbst heiraten zu wollen. Elisabeth fügt sich aus Staatsräson. Der liberale Marquis Posa rät seinem verzweifelten Freund Don Carlo, sich politisch für eine bessere Zukunft Flanderns zu engagieren. Dadurch geraten Don Carlo und Posa aber in eine gefährliche Gegenscherschaft zum übermächtigen Großinquisitor. Inspiriert von einem Besuch im japanischen Kyoto Costume Institute, bringt Regisseur Kirill Serebrennikov die Handlung von Don Carlo in einen zeitgenössischen Kontext. Denn auch für sein Bühnenbild ließ er sich von diesem Institut inspirieren – werden dort doch Original-Objekte aus allen Epochen und Kulturen aufbewahrt und entsprechend präpariert und gelagert, um sie vor dem Verfall zu schützen. Die Auseinandersetzung mit dieser Vergänglichkeit öffnete Serebrennikov eine weitere Dimension von Verdis Oper: das Wissen um die Vergänglichkeit des Menschen, seiner Leidenschaften, seiner Anstrengungen und seiner Taten, den Fluss der Zeit, der merklich oder unmerklich alles von Menschen Gemachte auslöscht und zerstört. Neben diesen beiden Dimensionen – die in ihren Überresten präsente Zeit des 16. Jahrhunderts und die unserer heutigen Gegenwart – gibt es eine dritte Ebene, eine Zwischenzone, in der sich Vergangenheit und Gegenwart vermischen. Eine wichtige Rolle nimmt in der Inszenierung auch Marquis von Posa ein, die einzige Figur, die historisch nicht belegt ist und die die Aufklärung und den modernen Menschen verkörpert. In Serebrennikovs Inszenierung stellt er einen Aktivisten dar, der die Konsequenzen der Überproduktion und des Überkonsums von Textilien und Kleidung thematisiert. Die musikalische Sprache weist eine fast schon morbide Raffinesse auf: eine Eleganz, Empfindsamkeit und Entrücktheit der weitgeschwungenen Melodik, eine abgründig verschattete Harmonik, dunkel glühende Orchesterfarben, die alle noch so jähen Kontraste verschleiert und gedämpft erscheinen lassen. Verdi hat mit Unterbrechungen über zwanzig Jahre an dieser Oper gearbeitet. Man unterscheidet nicht weniger als sieben unter unmittelbarer Mitwirkung des Komponisten entstandene Fassungen. Italienische Einstudierungen des in Paris uraufgeführten fünfaktigen Werkes boten Verdi Anlass zu einschneidenden Neuformulierungen und zur Neukomposition ganzer Szenenkomplexe. Eine verdichtete vieraktige Fassung wurde erstmals 1884 an der Mailänder Scala vorgestellt – sie wird auch der Wiener Neuinszenierung zugrunde liegen. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

05.09.

19:00

+ 3

Oper Wenige Tickets

Adriana Lecouvreur · Oper von Francesco Cilèa

Die gefeierte Schauspielerin Adriana Lecouvreur liebt den Grafen Maurizio, der seine Beziehung zu ihr geheim hält. Auch die Fürstin von Bouillon begehrt ihn. Aus Eifersucht lässt sie Adriana einen vergifteten Veilchenstrauß zukommen. Intrigen und Missverständnisse spitzen sich zu, während Maurizio zwischen den Frauen steht. Adriana erkennt zu spät den Ursprung des Geschenks und stirbt an dessen Wirkung, im Glauben an Maurizios Liebe. Die Inszenierung von Sir David McVicar spielt in der Originalzeit der Handlung, also im Paris des Jahres 1730. Der Regisseur vermied bewusst jede Transformation in eine andere Epoche, da seiner Meinung nach sowohl die Geschichte als auch die Figurenkonstellationen und Figurentypen dadurch nur beschädigt oder unverständlich würden. Dementsprechend wird das Publikum auch optisch in eine spätbarocke Zeit entführt und damit Zeuge einer längst untergegangenen Welt. Der Komponist Francesco Cilea setzt ausgehend vom italienischen Verismo neben einer pointierten, raffiniert-verästelten Klangsprache und schmachtend-schattierter Melodienkraft auch das Melodram als effektvolles und im Theaterkontext stimmiges Stilmittel ein. In die durchkomponierte Form platziert er prominente Inseln wie Adrianas berühmte Arie »Io son l‘umile ancella« oder das ebenso bekannte, dunkle »Acerba voluttà« der giftmordenden Bouillon – Glanzpunkte, die sich auch in zahlreichen Konzertprogrammen bewährt haben. Es gibt Künstlerinnen und Künstler, die sich mit nur einem einzigen Werk dauerhaft in die Kulturgeschichte eingeschrieben haben. Der italienische Komponist Francesco Cilea ist einer von ihnen. Auch wenn er auf eine Reihe von Bühnenwerken verweisen konnte, wird sein Name stets mit seiner wichtigsten Oper Adriana Lecouvreur verbunden bleiben. Cilea, Zeitgenosse Puccinis und musikalischer Hoffnungsträger im Italien des ausgehenden 19. Jahrhunderts, konnte mit diesem Vierakter jedenfalls den Erfolg seines Lebens verbuchen. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

08.09.

19:00

+ 19

Oper Wenige Tickets

Die Zauberflöte · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Libretto von Emanuel Schikaneder In deutscher Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln Die Geschichte beginnt ganz einfach, beinahe wie ein Abenteuerroman. Ein junger Prinz wird von einer Königin ausgeschickt, deren Tochter, eine wunderschöne Prinzessin, aus den Fängen eines dunklen Herrschers zu retten. An der Seite des Prinzen: ein seltsamer Vogelfänger. Ihnen beiden zu Hilfe: zahlreiche magische Apparaturen, einschließlich der titelgebenden Zauberflöte. Und rundherum wilde Tiere, zu bestehende Prüfungen, Feuer- und Wasserproben. Doch es wären nicht Schikaneder und Mozart, würde nicht schnell deutlich, dass die Geschichte viel komplexer ist. Denn Gut und Böse, Hell und Dunkel sind bald kaum mehr einfach voneinander zu trennen. Und die Bande zwischen Eltern und Kindern komplizierter, als es zunächst den Anschein hat. Die Geschichte der Zauberflöte wurde vielfach gedeutet und interpretiert. Doch einer der Gründe, warum sie bis heute fasziniert, sind ihre Charaktere, die so vielfältig, schillernd und kompliziert gezeigt werden, wie echte Menschen eben sind. Eine Mutter zum Beispiel, die ihre Tochter retten will – oder doch als Racheinstrument benutzt. Eine junge Frau, die in sich eine Kraft entdeckt, die sie zuvor nicht kannte. Ein Feigling, der eventuell doch mutiger ist, als er denkt. Ein Bösewicht, der auf den zweiten Blick nicht mehr (nur) böse scheint. In Lotte de Beers Neuinszenierung bleibt die Oper ein schönes, zauberhaftes Märchen. Doch gleichzeitig sucht sie für diese Geschichte einen emotionalen Anker. Jemanden, der das Publikum mit hinein nimmt in die Erzählung. „Für mich hat Die Zauberflöte viel mit Aufwachsen zu tun”, sagt sie, „deswegen nimmt uns ein junger Mensch mit in seine Vorstellungswelt. Fantasievoll animierte Videos eröffnen uns einen Weg in diese Welt.” So entstehen märchenhafte, eindrucksvolle, beunruhigende, faszinierende Orte und Räume, in denen Mozarts und Schikaneders Fabel in all ihrer Vielschichtigkeit erzählt wird. Empfohlen ab 9 Jahren Sichern Sie sich jetzt ihre Karten für die Volksoper und buchen Sie Ihre Karten für eine der beliebtesten Opern jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: volksoper.at)

Volksoper Wien

Wien

09.09.

19:00

+ 7

Oper Wenige Tickets

Le Nozze di Figaro · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Figaro und Susanna wollen heiraten, doch ihr Hochzeitstag wird zum Chaos: Graf Almaviva stellt Susanna nach, während Basilio für ihn intrigiert. Marcellina fordert Figaro mit einem alten Eheversprechen heraus, unterstützt von Bartolo, der sich rächen will. Der liebestolle Page Cherubino sorgt zusätzlich für Verwirrung. Mit Witz, List und der Hilfe der betrogenen Gräfin gelingt es Figaro und Susanna schließlich, den Grafen bloßzustellen. Am Ende siegen Liebe und Vernunft – und der »tolle Tag« nimmt ein glückliches Ende. In Barrie Koskys temporeicher Inszenierung müssen Susanna und Figaro sich von dem engen Zwischenraum, den ihnen der Graf zugewiesen hat, durch die Prachträume des Almaviva-Palais kämpfen, ehe sich im vierten Akt endlich der Außenraum als Perspektive auftut. Barrie Kosky: »Wir wissen von Shakespeare, dass ein Garten oder ein Wald – vor allem am Abend – ein demokratischer Raum ist. Dort ist alles möglich.« Wolfgang Amadeus Mozart hatte in Lorenzo Da Ponte endlich den lange gesuchten Dichter gefunden, der »das Theater versteht«. Die Lust an der wunderbaren Theaterdichtung Da Pontes ist in jede Note von Mozarts Musik eingegangen, großartig komponierte Ensembles wie das Sextett im dritten Akt fordern die Spielfreude der Sängerdarstellerinnen und -darsteller geradezu heraus. Aber auch die Arien, die Mozart etwa für die Figur der Gräfin Almaviva schreibt, sind nicht nur unvergleichliche Musikstücke, sondern auch musikdramaturgisch klug gedachte stille Momente, in denen die Handlung nicht einfach stillsteht, sondern vielmehr ruhig zu atmen scheint. Es war wohl ein Wagnis, das Wolfgang Amadeus Mozart und Lorenzo Da Ponte gleich bei ihrer ersten Zusammenarbeit eingingen, auf jeden Fall aber eine im Wien des späteren 18. Jahrhunderts vollkommen unübliche Vorgehensweise: Eine neue Oper zu beginnen, ohne dafür zuvor beauftragt worden zu sein, ohne gesicherte Aussicht auf eine Aufführung oder gar Entlohnung. Obendrein stellte die vom Komponisten gewählte Vorlage, Beaumarchais’ Komödie Le Mariage de Figaro , eine Realisation der geplanten Oper auf einer öffentlichen Bühne zusätzlich infrage — hatte doch Joseph II. die Aufführung des mit revolutionärem Zündstoff aufgeladenen Schauspiels noch 1785 mit der Begründung untersagt, dass »das Stück viel Anstößiges« enthalte. Lorenzo Da Ponte verzichtete auf Figaros adelskritischen Monolog aus Beaumarchais’ Vorlage, der Grundton aber blieb – und so ist womöglich etwas Wahres an der Darstellung in den oft sehr freien Memoiren des Librettisten, es sei am Ende seinem, Da Pontes, diplomatischem Geschick geschuldet gewesen, dass der Kaiser die Uraufführung von Le nozze di Figaro am 1. Mai 1786 im Hofburgtheater schließlich persönlich anordnete. Sichern Sie sich Tickets für einen Abend mit Mozarts Meisterwerk in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

09.10.

19:00

+ 6

Oper Wenige Tickets

Il barbiere di Siviglia · Oper von Gioachino Rossini

Graf Almaviva liebt Rosina – und sie ihn. Doch ihr Vormund Don Bartolo will sie selbst heiraten und hält sie streng bewacht. Unterstützt wird er von Don Basilio, der Intrigen spinnt. Hilfe kommt von Figaro, dem gewitzten Barbier, der Almaviva mit List und Verkleidungen Zugang zu Rosina verschafft. Trotz aller Hindernisse und komischer Verwicklungen gelingt es den Liebenden am Ende, Bartolo zu überlisten und zueinander zu finden. Herbert Fritschs Inszenierung des Il barbiere di Siviglia geht zurück zu den Wurzeln des Werks in der Commedia dell’arte, um von dort aus etwas völlig Eigenständiges zu kreieren. Diese Kreation liegt zunächst buchstäblich in den Händen der Sängerinnen und Sänger, sie füllen die Commedia-Typen, von denen Rossini und sein Librettist Sterbini ausgingen, mit Leben in Form jener „Vergrößerung“ ins Groteske, die Herbert Fritschs Regiearbeiten auszeichnet. All das gänzlich ohne Requisiten, dafür in bemerkenswerter Ausstattung: Die Kostüme von Victoria Beer transferieren die Mode des Rokoko und die groteske „Maccaroni“-Perückenmode früher englischer Dandys aus dem 18. Jahrhundert in eine Fantasiewelt, die in Herbert Fritschs Bühnenbild ideal repräsentiert ist. Dort bilden großflächige farbige Folienbahnen computergesteuert ständig wechselnde Schauplätze: Gassen, Plätze, Gebäude oder einfach Orte, die den handelnden Figuren zur Bühne werden. Dabei bleibt die Bühne ständig in Bewegung, einmal stärker, dann zurückgenommener, aber ohne jemals stillzustehen. Das perfekte Ambiente, aber auch die perfekte Metapher für Rossinis Il barbiere di Siviglia . Figaros Cavatine „Largo al factotum“ ist die Kennmelodie des Il barbiere di Siviglia , doch Rossinis Meisterstück ist noch mit weit mehr Kleinodien gespickt. Die Koloratur-Cavatine „Una Voce poco fa“ etwa gibt Rosina-Interpretinnen glänzende Gelegenheiten zu brillieren, und dasselbe gilt etwa für das „Ecco ridente in cielo“ des Conte. Librettist Cesare Sterbini versorgte Rossini mit idealen Musizier-Anlässen und trug so entscheidend zur enormen Bühnenwirksamkeit des Werks bei, etwa im Finale des ersten Aktes, wo das kontrollierte Chaos eines „Rossini-Crescendo“ regiert: Das im Text beschworene Bild einer »Höllenschmiede« malt die Musik mit dem Klang von Hämmern und Ambossen genüsslich aus. Der vielbeschäftigte Komponist musste sein berühmtestes Werk in kürzester Zeit schreiben – auch seriöse Quellen gehen davon aus, dass die Komposition nicht mehr als zwei Wochen in Anspruch genommen haben kann. Um in der kurzen Zeit zum Ziel zu kommen, verwendete Rossini wie häufig Material aus seinen früheren Werken; ein Beispiel von vielen ist die Gewittermusik aus dem zweiten Akt, die zuvor bereits in den beiden 1812 uraufgeführten Opern Il pietro di paragone und L’occasione fa il ladro verwendet wurde. Als »Faktotum der ganzen Stadt« stellt sich Figaro, der Barbier von Sevilla, vor, als Helfer in allen Lebenslagen. Wie alle Barbiere seiner Zeit ist er nicht nur für Bart- und Haupthaarpflege zuständig, sondern auch fürs Zähnereißen und den Aderlass. Darüber hinaus umfasst Figaros Angebot auch Dienstleistungen für Verliebte und Heiratswillige, wie heimlichen Brieftransport oder Ständchen im Auftrag. Uraufgeführt wurde die Oper unter dem Titel Almaviva, o sia L’inutile precauzione (Almaviva oder Die nutzlose Vorsicht) – Hauptfigur war also Graf Almaviva. Schnell fokussierte sich die Publikumsliebe jedoch auf den extrovertierten Barbier. Tatsächlich sind es aber nicht die immer wieder eskalierenden Strategien des Barbiers, sondern die Machtmittel des Adligen, die seiner Liebe zum Sieg verhelfen. Und dass Figaros gute Ratschläge den Grafen nie ans Ziel führen, ist am (glücklichen) Ende nicht nur zu verschmerzen, sondern von Rossini und seinem Librettisten Cesare Sterbini natürlich intendiert. Denn auf den Umwegen, die dieser Barbier nimmt, entstehen die komischsten Situationen und erklingen einige der umwerfendsten Melodien, die Rossini komponiert hat. Cesare Sterbinis Vorlage war das 1775 uraufgeführte gleichnamige Stück von Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais. Dieser verwandelte Figurentypen und Handlungselemente der italienischen Stegreifkomödie, der Commedia dell’arte, zunächst in eine Opéra-comique, dann in eine Prosakomödie, in die auch Eindrücke einer Spanienreise eingegangen sind. Das Stück ist der erste Teil von Beaumarchais’ Figaro-Trilogie, deren zweiter Teil vor allem in der Opernfassung von Lorenzo Da Ponte und Wolfgang Amadeus Mozart die Welt erobert hat. Sichern Sie sich Tickets für die Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

11.10.

19:00

+ 5

Oper Wenige Tickets

Carmen · Oper von Georges Bizet

Die freiheitsliebende Carmen wird von allen Männern begehrt. Obwohl keine ihrer Beziehungen anhält, verliebt sich der Soldat Don José unsterblich in sie, nachdem sie ihm kokett eine Blume vor die Füße geworfen hat. Er desertiert, verzichtet auf eine sich anbahnende Beziehung zu Micaëla, einem Mädchen aus seinem Dorf, und schließt sich Carmens Schmugglerbande an. Auch diesmal erkalten Carmens Gefühle, und sie interessiert sich nur mehr für den Stierkämpfer Escamillo. Vor der Arena eskaliert ein Streit zwischen Don José und Carmen: Voller Eifersucht tötet Don José seine ehemalige Geliebte. Als Carmen die Uraufführung erlebte, war die Gegend der Handlung – Andalusien – gefährlich, jedenfalls ohne jede touristische Idylle. Um die ursprüngliche Atmosphäre des Stoffes wiederherzustellen, suchte Calixto Bieito nach einer Umgebung in Spanien, die dem damaligen Andalusien entspricht. Fündig wurde er im afrikanischen Teil Spaniens, in Ceuta: Die hier vorherrschende Mischung aus Armut, Schmuggel, Perspektivlosigkeit, Flüchtlingen, Soldaten inspirierte Bieito zu dieser Produktion. Wir erleben eine von Gewalt geprägte Gesellschaft, die dennoch versucht, dem Leben eine gewisse Freude, Schönheit, Freiheit und Liebe abzuringen. »Diese Musik scheint mir vollkommen. Sie kommt leicht, biegsam, mit Höflichkeit daher. Sie ist liebenswürdig, sie schwitzt nicht. Ohne Grimasse! Ohne Falschmünzerei! Ohne die Lüge des großen Stils! Sie ist so unaffektiert und aufrichtig, dass ich sie praktisch ganz auswendig gelernt habe, von Anfang an.« (Friedrich Nietzsche) Die Wiener Erstaufführung der Carmen in der heutigen Staatsoper (1875) war die erste Darbietung des Werkes außerhalb Frankreichs. Zudem gelang dieser Oper erst mit dieser Wiener Premiere der internationale Durchbruch. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

15.10.

19:00

+ 3

Oper Wenige Tickets

Die Entführung aus dem Serail · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Belmonte sucht seine Verlobte Konstanze, die mit Blonde und Pedrillo von Seeräubern entführt und an Bassa Selim verkauft wurde. Dieser liebt Konstanze, doch sie bleibt Belmonte treu und nimmt drohende Qualen in Kauf. Ein Fluchtversuch der vier scheitert. Als Belmonte um Gnade bittet, erkennt der Bassa in ihm den Sohn seines Erzfeindes. Statt Rache zu nehmen, zeigt er Größe und schenkt allen die Freiheit – aus der Überzeugung, dass Güte stärker ist als Vergeltung. »Es ist aufregend, wenn die Sänger den Schauspielern häufig das Sprechen überlassen. Nicht weil sie es nicht können, sie sprechen ja auch, sondern sie thematisieren die Frage des Singens und des Sprechens miteinander«, so Regisseur Hans Neuenfels im Gespräch mit dem Intendanten und Dramaturgen Klaus Zehelein. Durch die Verdopplung aller Gesangsrollen mit Schauspielerinnen und Schauspielern gelingt es Neuenfels, die innerseelischen Konflikte der Akteure in hochpoetischen Spiegelungen theaterwirksam werden zu lassen. In der Entführung aus dem Serail , so der Regisseur, setze Mozart existenzielle Fragestellungen in Musik; die Produktion nimmt diesen Faden auf und führt das Publikum tief in die unterschiedlichen Gefühlsebenen der Handelnden hinab. Hans Neuenfels: »Die unterschiedlichen Zustände der Wahrnehmung, des Empfindens, des Seins können durch die Aufspaltung der Figuren gleichzeitig stattfinden. Wir sind zugleich mehrere, und das wird durch diese Interpretation sichtbar, aber nicht im Sinne einer Schizophrenie. Die Identität ist keine feststehende Größe. Auf das ‚Ich‘ ist grundsätzlich kein Verlass.« »Die Sinfonie, den Chor im ersten ackt, und den schluß Chor werde ich mit türckischer Musick machen.«, schrieb Wolfgang Amadeus Mozart am 1. August 1781 an seinen Vater Leopold über das geplante neue Singspiel. Die allgegenwärtige exotistische »alla turca«-Mode setzte Mozart musikalisch mit Rückgriff auf Elemente der beliebten »Janitscharenmusik« um und erweiterte sein Orchester entsprechend um Instrumente wie die große Trommel und die Triangel. Das „Exotische“ ist dabei nur ein Aspekt dieses großen Wurfs im Genre des deutschen Singspiels. Berühmt wurde Carl Maria von Webers Einschätzung, Mozart habe mit der Entführung bereits den »Reifegrad« seiner Musik erreicht. Tatsächlich präsentierte sich der 26-Jährige mit dieser Partitur als kompletter, dabei genial-sensibler Komponist mit unvergleichlich feinem Gespür für Musikdramaturgie und großer Innovationskraft. Exemplarisch etwa der Einsatz der Terrassendynamik mit ihren schnell umschlagenden Forte-piano-Kontrasten, die hier so stark ausgeprägt ist wie in keinem anderen von Mozarts Bühnenwerken. Das Werk erwies sich als Herausforderung auch für höchste Ohren: »Gewaltig viele Noten, lieber Mozart«, soll Joseph II. nach der ersten Vorstellung gesagt haben. Mozart aber wusste: »Gerade so viele Noten, Euer Majestät, als nötig sind.« Die sogenannte »Türkenoper« war ein im 18. Jahrhundert beliebtes und weit verbreitetes Genre. Dabei eignete man sich das Lokalkolorit des Osmanischen Reichs unter dem weitläufigen Begriff »türkisch« an, der jedoch sinnbildlich für alles Exotische, Fremde und Andersartige stand. Schon im ausgehenden 17. Jahrhundert finden sich beispielsweise bei Jean-Baptiste Lully Werke mit »türkischem« Einfluss (z. B. Le Bourgeois gentilhomme ), die paradoxerweise in direkter Verbindung mit der Aufklärung standen: Unter dem Begriff des »Edlen Wilden« sollte der vermeintlich naturbezogene, exotische (also fremde) Mensch – in Abgrenzung zum »aufgeklärten, zivilisierten Europäer« – eine Aufwertung erfahren, indem ihm gleichfalls charakterliche Gutherzigkeit und Milde zugesprochen wurden. Damit wurde freilich die Lebens- und Verhaltensweise der abendländischen Kultur zum universalgültigen Maß des Menschseins bestimmt. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

16.09.

19:00

+ 5

Oper

La Calisto · Oper von Francesco Cavalli

Theater an der Wien

Wien

17.10.

19:00

+ 5

Oper

Der fliegende Holländer · Oper von Richard Wagner

Theater an der Wien

Wien

19.08.

17:30

+ 1

Oper

Saint François d’Assise · Oper von Olivier Messiaen

Leading Team Maxime Pascal, Musikalische Leitung Romeo Castellucci , Regie / Bühne / Kostüme / Licht Giulia Giammona , Künstlerische Mitarbeit Christian Longchamp , Dramaturgie Yasmine Hugonnet, Choreografie Alessio Valmori , Lisa Behensky Mitarbeit Bühne Theresa Wilson , Zusammenarbeit Kostüm Benedikt Zehm , Mitarbeit Licht Paul Jeukendrup , Klangregie Besetzung Lauranne Oliva L’Ange Philippe Sly Saint François Sean Panikkar Le Lépreux Russell Braun Frère Léon Léo Vermot-Desroches Frère Massée Aaron-Casey Gould Frère Élie Willard White Frère Bernard und andere Ensembles Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor Jozef Chabroň Choreinstudierung Wiener Philharmoniker Zur Produktion „Du sprichst durch Musik zu Gott: Er wird dir durch Musik antworten.“ Durch die Weite ihrer Weltsicht und die Intensität der sinnlichen Erfahrung, die sie entfaltet, sowie durch die künstlerische Kühnheit ihres Schöpfers nimmt Olivier Messiaens Oper Saint François d’Assise in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine ähnliche Stellung ein wie Richard Wagners Tristan und Isolde ein Jahrhundert davor: als ein Haupt- und Schlüsselwerk der Musikgeschichte. Zudem verbindet die beiden Werke das Thema der Liebe – einer unermesslichen Liebe, die sich im Tod vollendet. Bei Wagner ist es die Liebe zwischen einem Mann und einer Frau, bei Messiaen die Liebe eines Menschen zu Jesus Christus. Schon als Kind fühlte sich der tiefgläubige Messiaen der katholischen Kirche verbunden. In der Pariser Kirche La Trinité begleitete er jahrzehntelang die Gottesdienste auf der Orgel, während seine Kompositionen von den renommiertesten Orchestern Europas und der USA aufgeführt wurden. Die Doppelidentität als experimentierfreudiger Komponist und von seinem Glauben durchdrungener Christ war für ihn zeitlebens charakteristisch. Dies zeigt sich mit Deutlichkeit bereits an seinem herausragenden, über zweistündigen Klavierzyklus Vingt Regards sur l’Enfant-Jésus (Zwanzig Blicke auf das Jesuskind), der 1944 entstand – fast 40 Jahre vor der Uraufführung von Saint François d’Assise . Doch zeichnet sich Messiaen noch durch eine dritte Dimension aus: seine Leidenschaft für Ornithologie. 1952 begann er, in Dutzenden von Notizheften Vogelgesänge in Musiknoten festzuhalten. Er bereiste alle Kontinente auf der Suche nach immer neuen Vogelstimmen. Sie wurden zur Inspirationsquelle für Klavier- und Orchesterwerke und schließlich – in vollendeter Ausprägung – für seine einzige Oper, die jenem Heiligen gewidmet ist, der mit den Vögeln sprach. Eine Ausnahmeerscheinung ist Messiaens Bühnenwerk nicht zuletzt auch, weil es im Hinblick auf die sängerische und orchestrale Besetzung enormen Aufwand erfordert und deshalb nur selten aufgeführt wird. 2026 jährt sich der Tod des heiligen Franz von Assisi zum 800. Mal, doch ist es keineswegs nur das Andenken, das zur Beschäftigung mit dieser monumentalen Oper einlädt: Saint François d’Assise hat uns auch heute noch Wesentliches zu sagen und vermittelt existenzielle Erfahrungen. Franziskus zu begegnen heißt, in eine spirituelle Sphäre einzutreten, die höchste Ansprüche stellt. Denn in ihm – das hatte Messiaen erkannt – offenbart sich eine erstaunliche Radikalität: der endgültige Bruch mit seiner Vergangenheit und seiner Familie, das Streben nach äußerster Armut, die Feier sowohl des Schönen als auch des Hässlichen, des Lebens wie des Todes – und ein obsessives Verhältnis zum Leiden Christi bis hin zu dem Wunsch, es selbst nachzuleben. Diese Radikalität ist weit entfernt von dem Franziskusbild, das die Kirche den Touristen vermittelt, weit entfernt von jener süßlichen Darstellung, die die spirituelle Kraft und die revolutionäre Energie dieses Heiligen und seiner Botschaft abschwächt. Messiaens Annäherung an Franziskus war ein jahrzehntelanger Prozess, und so wurde sein Opus magnum zum Konzentrat eines ganzen Komponistenlebens. Mit der Rückkehr von Saint François d’Assise nach Salzburg öffnet sich der „Weg der Gnade“ des „Poverello“ aus Assisi erneut. Es liegt nun an uns, ihm zu folgen und Messiaen auf den Spuren jenes Mannes zu begleiten, den er unablässig befragte, um ihn besser begreifen und inniger lieben zukönnen. Die Salzburger Neuinszenierung führt den Regisseur Romeo Castellucci und den Dirigenten Maxime Pascal in die Felsenreitschule zurück. Der Bariton Philippe Sly gibt sein Debüt in einer Rolle, die im Opernrepertoire einzigartig ist – eine zutiefst menschliche Erfahrung, eine metaphysische Suche ganz nah an der Erde, am Stein und an der Unermesslichkeit, die wir in uns tragen. Christian Longchamp Übersetzung aus dem Französischen: Andreas Bredenfeld (Quelle: salzburgerfestspiele.at)

Felsenreitschule

Salzburg

19.08.

20:00

+ 3

Oper

Tosca · Oper von Giacomo Puccini

Römersteinbruch St. Margarethen

St. Margarethen

20.08.

19:30

Oper

Der Prinz von Homburg (konzertant) · Oper von Hans Werner Henze

Leading Team Ingo Metzmacher Musikalische Leitung Besetzung Maximilian Schmitt, Friedrich Wilhelm, Kurfürst von Brandenburg Tanja Ariane Baumgartner , Die Kurfürstin Kathrin Zukowski , Prinzessin Natalie von Oranien Lauri Vasar, Feldmarschall Dörfling Georg Nigl , Prinz Friedrich Artur von Homburg Anthony Robin Schneider, Obrist Kottwitz Magnus Dietrich, Graf Hohenzollern und andere Ensemble ORF Radio-Symphonieorchester Wien „Und fester Glaube baut sich in uns auf, daß die Empfindung einzig retten kann!“ Die Schlacht von Fehrbellin steht kurz bevor. Der Kurfürst von Brandenburg ist mit seinem Gefolge und seiner Nichte Prinzessin Natalie auf der Suche nach dem General Prinz Friedrich von Homburg. Sie finden ihn schlafwandelnd im Schlossgarten, wo er im Traum seine militärischen Erfolge und seine Heirat mit Natalie imaginiert. In der folgenden Schlacht verstößt er gegen die kurfürstlichen Befehle und gehorcht ausschließlich seiner Intuition. Obwohl das brandenburgische Heer siegreich aus dem Gefecht hervorgeht, wird der Prinz wegen seines Ungehorsams zum Tode verurteilt. Als er ängstlich um sein Leben fleht, stellt ihn der Kurfürst auf die Probe: Sollte er den Spruch des Kriegsgerichts als ungerecht erachten, so sei er frei. Der Prinz sieht sich vor die Entscheidung zwischen Gefühl und Gesetz gestellt und nimmt schließlich gefasst das Todesurteil an. Beeindruckt von Homburgs innerer Größe kann der Kurfürst nun selbst seinem Gefühl folgen und den Prinzen begnadigen. Hans Werner Henze und Ingeborg Bachmann zögerten lange, bevor sie 1958 mit der Arbeit an Der Prinz von Homburg begannen – zu sehr war die Kleist’sche Vorlage von den Nationalsozialisten als kriegsverherrlichendes, patriotisches Preußendrama funktionalisiert worden. Doch eben diesem Missbrauch galt es entgegenzuwirken. In ihrer Texteinrichtung reduzierte Bachmann den militärischen Sprachduktus und betonte einerseits die Liebeshandlung zwischen dem Prinzen und Natalie sowie andererseits den Konflikt zwischen Staatsräson und Empfindung. Dieser Gegensatz durchdringt auch Henzes Komposition: Durch die Gegenüberstellung unterschiedlicher Klangfarben und Form- oder Stilelemente wird die Dualität von „Traumwelt“ und „realer Welt“ direkt fassbar. Zwischen den beiden Polen beziehen Henze und Bachmann eindeutig Position: Es geht in der Oper, so Henze, „um die Verherrlichung eines Träumers, um die Zerstörung des Begriffs vom klassischen Helden, es geht gegen die blinde, phantasielose Anwendung der Gesetze und um die Verherrlichung menschlicher Güte.“ David Treffinger (Quelle: salzburgerfestspiele.at)

Felsenreitschule

Salzburg

20.09.

19:00

+ 3

Oper Wenige Tickets

La Clemenza di Tito · Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Ohne von den Bedrohungen zu wissen, die ihn umgeben, versucht der römische Kaiser Tito, seinem Amt und seinen eigenen Ansprüchen gerecht zu werden. Großherzig vergibt er seinen Gegnern und hilft den Opfern des Vesuvausbruchs. Auch Servilia gibt er frei, als ihr Geliebter Annio ihn darum bittet. Doch Vitellia, die nach Macht strebt, stiftet Sesto zu Mord und Aufruhr an. Als das Kapitol brennt und Sesto gesteht, muss Tito entscheiden: Strafe oder Milde. Regisseur Jan Lauwers verzichtet in seiner Inszenierung darauf, simple Gut-Böse-Schablonen über die Figuren zu stülpen. Stattdessen lotet er die Vielschichtigkeiten der Charaktere aus und zeigt – wie von Mozart gefordert – eine »wahre Oper«, also wahre Menschen, wahre Seelenlandschaften. Es gelingt ihm, Musik und Bild, Video und Tanz, Raum und Klang miteinander zu verweben und so ein umfassendes Kunstwerk zu erschaffen. Mehrdeutigkeit ist dabei bestimmendes Prinzip: Lauwers schafft einen assoziationsreichen Raum, in den man intuitiv eintauchen kann. Im Sinne einer Vieldeutigkeit verortet der Regisseur die Handlung weder zeitlich noch örtlich, sondern entwirft überzeitliche Bilder voll suggestiver Erzählkraft. Dem Kompositionsauftrag und der Vorlage, einem Libretto Pietro Metastasios, entsprechend, warf Mozart mit La clemenza di Tito einen Blick zurück auf die Opera seria. Indem er mit einer laut seinem Werkverzeichnis „zu einer wahren Oper reduzierten“ Fassung des Dresdner Hofdichters Caterino Mazzolà arbeitete, hatte der Komponist allerdings eine kompaktere und der musikalischen Dynamik entgegenkommendere Fassung zur Verfügung: Von den ursprünglich 25 Arien blieben nur sieben erhalten, vier mit neuem Text kamen hinzu. Auch innerhalb der zur Entstehungszeit gelobten „strengen Form“ gelangen Mozart ergreifende Momente wie das Duett No. 7 (Annio und Servilia). Das Quintett zum Finale des 1. Aktes weist als spannungsreiches Aktionsfinale über die ältere Opera seria hinaus und vermag sogar Erinnerungen an die Finali der Da-Ponte-Opern aufblitzen zu lassen. Bemerkenswert sind auch die Arien mit obligatem Klarinetten- bzw. Bassethornsolo (No. 9, Sesto und No. 23, Vitellia), die Mozart für seinen Freund und Logenbruder Anton Stadler schrieb, einen Virtuosen auf beiden Instrumenten. Als Krönungsoper anlässlich der Krönung Kaiser Leopolds II. hatten die böhmischen Stände das Werk beauftragt – eine Krönung, die Joseph II. noch verweigert hatte. La clemenza di Tito war von den vom Klerus und Adel dominierten Ständen auch als ein Appell an die Milde Leopolds in dem Sinne gemeint, dass sie sich die Rücknahme der zentralistischen Reformen Josephs II. zugunsten regionaler Privilegien erhofften. Eine Hoffnung, die enttäuscht wurde. Gegenüber der Metastasio-Fassung fällt an der Oper des Freimaurers Mozart, die immerhin im Angesicht der Französischen Revolution uraufgeführt wurde, auf, dass die Milde des Herrschers nicht mehr aus dessen Gottesgnadentum, sondern aus seinen eigenen moralischen Überzeugungen erklärt wird. Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

21.08.

19:00

+ 1

Oper

Carmen · Oper von Georges Bizet

Leading Team Teodor Currentzis Musikalische Leitung Gabriela Carrizo (Peeping Tom) Regie / Choreografie Christof Hetzer Bühne / Kostüme Tom Visser Licht Raphaëlle Latini Mitarbeit Regie Christian Arseni Dramaturgie Besetzung Asmik Grigorian Carmen Jonathan Tetelman Don José Kristina Mkhitaryan Micaëla Davide Luciano Escamillo Iveta Simonyan Frasquita Anita Monserrat Mercédès Matthias Winckhler Zuniga Liviu Holender Moralès Michael Arivony Le Dancaïre Mingjie Lei Le Remendado Eurudike De Beul , Amparo Cortés , Boston Gallacher , Balder Hansen , Chey Jurado , Seungwoo Park , Romeu Runa , Charlie Skuy , Eliana Stragapede Performer·innen von Peeping Tom Ensembles Utopia Choir Vitaly Polonsky Choreinstudierung Bachchor Salzburg Michael Schneider Choreinstudierung Salzburger Festspiele und Theater Kinderchor Wolfgang Götz , Regina Sgier Choreinstudierung Utopia Orchestra Zur Produktion „Mein Geheimnis hüte ich, und ich hüte es gut.“ „Wer weiß, welchem Dämon ich beinahe zum Opfer fiel!“ Ein Kuss von seiner Mutter, überbracht von der jungen Micaëla, und die Erinnerung an das heimatliche Dorf haben Don José gerade noch gerettet. Der „Dämon“, auf den er anspielt, ist jene Frau, die ihm kurz zuvor herausfordernd eine Blume zugeworfen hat: nicht einem der vielen Männer, die sie begierig erwartet hatten, sondern ihm, einem unbekannten Offizier, der sie als einziger nicht beachtete. José spürt sofort die Macht, die Carmen auf ihn ausübt. Er wird ihr mit jeder Faser verfallen, zum Deserteur und Kriminellen werden, um ihr nah zu sein. Und als sie sich von ihm abwendet und ein Verhältnis mit dem Stierkämpfer Escamillo eingeht, wird er sie töten. Carmens Faszination ist eng verflochten mit ihrer Unkontrollierbarkeit. Diese zeigt sich am offensichtlichsten in ihrem Anspruch, ihre Partner nach freiem Willen zu wählen und wieder zu verlassen: Liebe kann genossen, aber weder erzwungen noch festgehalten werden. Für José hingegen verlangt Liebe nach Dauer, ist besitzergreifend und eifersüchtig: Wer sie ihm entzieht oder streitig macht, demütigt sein Ego, provoziert Gewalt. Der bürgerlichen Moral des 19. Jahrhunderts (und darüber hinaus) erschien Carmens offensiv zur Schau getragene sexuelle Unabhängigkeit als anstößig, ja skandalös. Dem Publikum der Pariser Opéra-Comique, wo sie 1875 erstmals die Bühne betrat, war diese Protagonistin nur zumutbar, weil sie als „Zigeunerin“ und soziale Außenseiterin auf radikale Andersartigkeit fixiert wurde. Das machte sie nur noch gefährlicher: Sie erhielt das Potenzial, verführerische und beunruhigende Gegenbilder zu schaffen – zu Lebensmodellen, zu Konventionen und Zwängen. Als José – im Rang degradiert, weil er sie vor dem Gefängnis bewahrt hat – Carmen im zweiten Akt von Bizets Oper aufsucht, um die versprochene Belohnung zu erhalten, stürzt sie ihn in ein neues Dilemma. Würde er sie wirklich lieben, sagt sie, würde er nicht mehr auf den Ruf der Kaserne hören; nein, er würde ihr folgen und sich mit ihr „dort in den Bergen“ jener „berauschenden Sache“ namens „Freiheit“ hingeben. Carmen öffnet Perspektiven, die vertraute Koordinaten ins Wanken bringen – sei es die Sehnsucht nach Sicherheit und Status, den Vorrang der Zukunft vor dem Jetzt, den Glauben an eine hierarchische Gesellschaft oder das Bedürfnis nach klaren Grenzen und eindeutigen Identitäten. In der literarischen Vorlage der Oper, Prosper Mérimées Novelle Carmen , ist José selbst der Erzähler seiner Geschichte. Auf der Bühne erhielt Carmen notwendigerweise eine eigene Stimme. Dennoch gibt sie kaum etwas von ihrem Innenleben preis. Während Bizet der Musik Josés die Qualität leidenschaftlichen, zunehmend aggressiven Gefühlsausdrucks verlieh, integrierte er in die Musik Carmens spanische und „Zigeuner“-Idiome ebenso wie Populärmusik. Doch wo spielt Carmen mit Rollen, wo ist sie sie selbst? Sie wechselt rapide zwischen Zugänglichkeit und Verweigerung, ist wie Licht, das sich nicht fassen lässt. Die Regisseurin und Choreografin Gabriela Carrizo macht sich auf die Suche nach der Identität und den Motiven dieser zum Mythos gewordenen Frau und nimmt in ihrer Inszenierung Carmens Perspektive ebenso in den Fokus wie diejenige Josés. Wie in den Arbeiten für ihre Tanztheater-Kompanie Peeping Tom, die von intensiver Körperlichkeit geprägt, bedeutungsreich und poetisch sind, zoomt sie dabei tief in die Psyche und das Unbewusste der Figuren hinein. Über die Darstellung einer fatalen Zweierbeziehung hinaus geht es Carrizo darum, spürbar zu machen, welchen Anteil das Umfeld an der Dynamik der Geschichte und deren tragischem Ausgang hat. Welche Rolle spielen familiäre Bindungen, vor allem Josés Verhältnis zu seiner Mutter, oder die bei Mérimée nicht vorkommenden Figuren Micaëla mit ihrer „anständigen“ Weiblichkeit und Escamillo mit seiner grellen Virilität? Wie bestimmend sind schließlich die unterschiedlichen gesellschaftlichen Gruppen, denen José im Grunde genauso fremd bleibt wie Carmen? Bizets Oper ist auch eine Geschichte über die Begegnung mit Differenz – im Anderen und in uns selbst –, über ihre Wahrnehmung als Bereicherung oder Bedrohung und über unseren Umgang mit ihr. Christian Arseni (Quelle: salzburgerfestspiele.at)

Großes Festspielhaus

Salzburg

21.10.

19:00

Oper

Hercules · Oper von Georg Friedrich Händel

Theater an der Wien

Wien

22.08.

19:00

+ 1

Oper

Così fan tutte · Wolfgang Amadeus Mozart

Leading Team Joana Mallwitz Musikalische Leitung Christof Loy Regie Johannes Leiacker Bühne Barbara Drosihn Kostüme Olaf Winter Licht Besetzung Elsa Dreisig Fiordiligi Victoria Karkacheva Dorabella Andrè Schuen Guglielmo Bogdan Volkov Ferrando Lea Desandre Despina Johannes Martin Kränzle Don Alfonso Ensembles Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor Jozef Chabroň Choreinstudierung Wiener Philharmoniker Mit Unterstützung der Freunde der Salzburger Festspiele e.V. Bad Reichenhall Zur Produktion „Wie sich mein Schicksal plötzlich geändert hat! Das Leben ist für mich nun ein Meer voller Qualen!“ Geschrieben 1789, kurz nach dem Sturm auf die Bastille und in den letzten Monaten der Herrschaft von Joseph II., beschreibt Così fan tutte die höchste Blüte des alten Regimes an dem Punkt seiner Auflösung. Alles beginnt in einem Kaffeehaus in Neapel – ein Ort voller Ambivalenzen, an dem die landschaftliche Schönheit in scharfem Kontrast zur allgegenwärtigen Bedrohung durch den Vesuv steht. In diesem atmosphärischen Spannungsfeld entfaltet sich das Geschehen, das alle Figuren gleichermaßen erschüttern wird. Don Alfonso, desillusioniert von der Liebe, erklärt seine Weltanschauung: „Die Treue der Frauen ist wie der arabische Phönix: Man sagt, sie existiere, doch niemand hat sie je gesehen.“ Mit dieser These provoziert er die beiden Verliebten Ferrando und Guglielmo und bringt sie dazu, eine Wette einzugehen: In einem von Don Alfonso inszenierten Experiment soll die Treue ihrer Verlobten Dorabella und Fiordiligi auf die Probe gestellt werden. Es geht ihm dabei jedoch nicht allein um die Frage der Treue, sondern darum, die Relativität der Liebe offenzulegen – und zu beweisen, dass jenes Gefühl, das die Menschen für unverrückbar halten, in Wahrheit den Gesetzen von Spiel, Täuschung und Zufall unterliegt. Was als gesellschaftliches Spiel beginnt, entwickelt sich zu einer gnadenlosen Versuchsanordnung. Hier werden Herzen auseinandergenommen, seziert und wieder neu zusammengesetzt – die Paare betreten die schwindelerregende Zone der Liebe. Jeder und jede von ihnen erlebt sich selbst als fremd: Fiordiligi, die anfangs unerschütterlich erscheint, wird von einer Leidenschaft überwältigt, die sie zugleich beglückt und erschreckt. Dorabella lässt sich scheinbar mühelos auf das Neue ein, doch ihre Leichtigkeit verrät ein Wissen um die Fragilität des Herzens. Die Männer, die glaubten, die Regeln zu bestimmen, finden sich am Ende selbst geprüft, ihre eigenen Schwüre entwertet. Selbst Don Alfonso kann seine Position als unbeteiligter Beobachter nicht länger aufrechterhalten. Im Lauf der Handlung werden sich alle gewohnten Koordinaten auflösen, wird jede Gewissheit suspendiert werden. Despina, Don Alfonsos Verbündete, weist den beiden Frauen einen Weg aus der Krise. Sie hat sich in der Welt der Unbeständigkeit und Treulosigkeit eingerichtet. Für sie ist die Liebe Vergnügen und Zeitvertreib: „Einer ist so viel wert wie der andere, denn keiner ist etwas wert.“ Doch ihre Weisheit ist nicht die des Stücks! Così fan tutte bewegt sich in ganz anderen Dimensionen: Es untersucht die Frage, wie die Menschlichkeit gerettet werden kann – trotz der Ereignisse, die Despina recht geben könnten. Die rätselhafte Wahrheit des Librettos offenbart sich ganz erst durch Mozarts Musik: Er komponiert keine distanzierende Ironie und überantwortet die menschlichen Beziehungen nicht der Verhöhnung durch ihre Darstellung als marionettenhafter Mechanismus. Er berührt vielmehr das schlagende Herz des Geschehens – und damit das tiefe Geheimnis der Liebe. Die Musik entwickelt eine einigende Kraft, ohne das Geschehene zu leugnen; die widerstreitenden Elemente werden ohne Gewalt wieder zusammengeführt: Alle Personen wissen um das Leid und die Tränen. Doch sie haben durch ihre schmerzliche Erfahrung die Heiterkeit und eine Art von Harmonie der Herzen erreicht. Lachen und Weinen erscheinen gleichgeordnet. In der musikalischen Verkörperung der errungenen „bella calma“ ist keine Spur von Ironie. Alle Beteiligten vermögen es, mit einem tieferen Wissen über die Welt zu sich selbst zurückzukehren – vielleicht begleitet von der leisen Frage, mit der Heinrich von Kleists Essay „Über das Marionettentheater“ von 1810 ausklingt: „Müßten wir wieder von dem Baum der Erkenntnis essen, um in den Stand der Unschuld zurückzufallen?“ Yvonne Gebauer (Quelle: salzburgerfestspiele.at)

Großes Festspielhaus

Salzburg

24.08.

19:30

+ 1

Oper

Ariadne auf Naxos · Oper von Richard Strauss

Leading Team Manfred Honeck Musikalische Leitung Ersan Mondtag Regie / Bühne / Kostüme Henning Streck Licht Luis August Krawen Video Till Briegleb Dramaturgie Besetzung Kate Lindsey Der Komponist Elīna Garanča Primadonna / Ariadne Eric Cutler Der Tenor / Bacchus Ziyi Dai Zerbinetta Johannes Silberschneider Der Haushofmeister Christoph Pohl Ein Musiklehrer Jonas Hacker Der Tanzmeister Leon Košavić Harlekin Michael Porter Scaramuccio Lukas Enoch Lemcke Truffaldin Theodore Browne Brighella Jasmin Delfs Najade Anja Mittermüller* Dryade Marlene Metzger Echo und andere Ensemble Wiener Philharmoniker Zur Produktion „Du bist der Herr über ein dunkles Schiff, das fährt den dunklen Pfad.“ Der reichste Mann von Wien ist niemand zum Gernhaben. Jedenfalls wenn man dem Bild traut, das sein Personal von ihm vermittelt. Herrisch und rücksichtslos schmeißt er aus der Ferne das musikalische Programm einer „großen Assemblee“ in seinem Stadtpalais um, während backstage schon die Vorbereitungen für die Aufführung in vollem Gange sind. Gekränkte Künstlerehre ist ihm zu egal, um sich überhaupt damit zu befassen. Die Opera seria Ariadne auf Naxos , die ein hoffnungsvoller Nachwuchskomponist extra für den Anlass komponiert hat, zählt für ihn lediglich zu den „Verdauung fördernden Genüssen“ wie Feuerwerk und Tanz. Am besten hält man sie kurz – oder noch besser, mischt sie mit einer Opera buffa, damit es nicht fad wird. Dieses ätzende Porträt eines kulturlosen Superreichen, der nur durch seine arroganten Lakaien in Erscheinung tritt, erinnert nicht zufällig an die High Snobiety, die Molière in seinen Komödien dem Spott preisgab. Die erste Fassung der Oper Ariadne auf Naxos hatten Richard Strauss und sein Textautor Hugo von Hofmannsthal als Teil ihrer Adaption von Molières Der Bürger als Edelmann entwickelt. Diese am 25. Oktober 1912 im Kleinen Haus des Stuttgarter Hoftheaters uraufgeführte Kreuzung von Sprech- und Musiktheater fiel beim Premierenpublikum ziemlich durch. Hofmannsthal und Strauss packte der Misserfolg bei eben der Künstlerehre. Also ersetzten sie Molières Komödie durch ein operettenhaftes „Vorspiel“ mit nur noch einer Sprechrolle, behielten den ironischen Ton und den gezierten Inhalt aber bei, als sie die Komplikationen um das musikalische Bankett im Haus des Steinreichen neu dichteten und komponierten und vier Jahre später in der Wiener Hofoper herausbrachten. Das hysterisch grundierte Vorspiel, in dem überreizte Künstlerfiguren, Volkstheater-Erotik und Wiener Schmäh ein hohes komödiantisches Tempo erzeugen, übertrug Strauss in einen beschwingten, heiteren Parlando-Stil. Die festliche „Opernaufführung“, die den antiken Ariadne-Stoff mit der fiktiven Komödie Die ungetreue Zerbinetta und ihre vier Liebhaber verbindet, folgt dagegen einem eher klassischen Kompositionsansatz, in dem die siegreiche Hochkultur mit vielen Verweisen in die Musikgeschichte gefeiert wird. Um diese Parodie auf die großbürgerlichen Blender der Wiener Ringstraße in die Gegenwart zu versetzen, begibt sich Regisseur Ersan Mondtag, der mit dieser Inszenierung sein Salzburger Festspieldebüt gibt, in die Milchstraße. Denn die reichsten Kulturlosen unserer Zeit wollen ihre Bankette am liebsten auf dem Mars feiern, wohin ihnen nur die Exklusivsten der Exklusiven folgen können. Und wo die Künstlerinnen und Künstler wiederum weit unter dem letzten Hausbediensteten rangieren, als freischaffende Klang-Konditoren für den musikalischen Nachtisch. Auf diesem Wüstenplanet ist die „wüste Insel“ Naxos, auf der im zweiten Teil des Werks die Begegnung von Ariadne und Bacchus stattfindet, dann eine stille Metapher moderner Rücksichtslosigkeit. Männer, die sich alles leisten können, verwüsten erst mit ihren gierigen Geschäften die angestammte Heimat, so wie die Griechen ihre grünen Inseln für den Bau von Kriegsschiffen abgeholzt haben, um Troja zu plündern. Danach entfernen die „Sieger“ sich mit ihrem Raubgut in Gegenden, die nur sie erreichen und bewohnen können, wie Bacchus, der Ariadne auf seine Passage in den Olymp mitnimmt. Von Wüste zu Wüste ist es für die egomanischen Helden der Geldvermehrung also nur ein Katzensprung. Und ihr modernes Leitbild für die Flucht in den Weltraum ist tatsächlich fest verbunden mit dem Ariadne-Mythos. Der eigentliche Retter der kretischen Königstochter, der Erfinder des Ariadne-Fadens, war Dädalus, der erste fliegende Mensch und Schutzheilige der Raumfahrt. Ariadne selbst wird nach dem Tod von ihrem göttlichen Gatten Bacchus als Sternbild am Firmament verewigt. Dort werden bald auch die luftdichten Paläste der kapitalistischen Götter stehen. In ihren kostspieligen Sandburgen kann sich dann die Farce wiederholen, die Strauss und Hofmannsthal über die Wiener Bourgeoisie geschaffen haben. Das Feuerwerk am Ende mag allerdings ein anderes sein. Till Briegleb (Quelle: salzburgerfestspiele.at)

Haus für Mozart

Salzburg

24.09.

19:00

+ 3

Oper Wenige Tickets

Macbeth · Oper von Giuseppe Verdi

Macbeth, Heerführer im Dienst König Duncans, wird von drei Hexen prophezeit, dass er selbst König werde. Doch der Preis ist hoch, und bald schon beginnt sein blutiger Pfad der Selbstzerstörung. Gedrängt von der ehrgeizigen Lady Macbeth begeht er Mord und Verrat, um seine Macht zu sichern. Doch seine Taten holen ihn ein, als er sich gegen seinen Widersacher Macduff und eine aufständische Armee stellen muss. Die Tragödie erreicht ihren Höhepunkt in einer verheerenden Schlacht, die Macbeths Untergang besiegelt und Malcolm, den Sohn des ermordeten Königs, zum neuen König von Schottland macht. Barrie Koskys Theater berührt oft, aber manchmal packt es zu, indem es das Bekannte – die Welt, das Leben, die Beziehungen zwischen Menschen – in einer Weise durchbrochen zeigt, in der es in schockierender Weise erkennbar bleibt. In seiner Macbeth-Inszenierung an der Staatsoper erzeugt der Regisseur eine Düsternis, welche zusätzliche Verdichtung bietet und die Unsichtbarkeit sämtlicher Figuren zur Folge hat. »Diese Dunkelheit entspringt nicht nur Shakespeares Stück oder der Partitur Verdis, sie ist das Stück selbst. Eine Finsternis, von der man sich nicht lösen kann, die vom ersten Augenblick an die Szene beherrscht. Ich würde in Bezug auf Shakespeare sagen, dass kein anderes seiner Werke von ihr so stark geprägt ist. Und Verdi destillierte daraus die Essenz: einen unglaublichen, fast klaustrophobischen Nihilismus«, so der Regisseur. Wir empfehlen den Besuch dieser Produktion ab 16 Jahren. Die Vielfalt dieser Oper und die gefährliche Schönheit einiger Szenen sind auch bei häufigem Wiederhören ein Faszinosum. Schon im Preludio und in der Introduktion des 1. Aktes wird alles bedeutungsschwanger angerissen: die dunkle, unisono geführte f-Moll-Melodie im 6/8´-Takt, die ständig wiederkehrenden, bohrenden, marschhaften Punktierungen im Blech, das holzbläsergeprägte Hexengelächter, die bedrohlich wiederholte abwärtsführende 32tel-Figur in den Streichern, die in der Mordszene wieder auftauchen wird, sowie Lady Macbeths elegische Schlafwandlermelodie. Auch wenn sich die musikalische Sprache in den letzten knapp 170 Jahren doch wesentlich verändert hat: Gewisse Dinge wie die musikalisch-motivische Ökonomie Verdis, seine instrumentatorische Klarheit im Zusammenspiel des Orchesters mit den Sängern und sein untrüglicher Sinn für das Aufbauen einer dramaturgisch konzisen Binnenspannung faszinieren heute wie damals (Johannes Maria Staud). Einer der Gründe dafür, dass Macbeth lange Zeit im Schatten vieler anderer Verdi-Opern stand, war nicht nur der eher ungewöhnliche Charakter des Werks, sondern auch die Schwierigkeit, die beiden Hauptpartien adäquat zu besetzen. Insbesondere Lady Macbeth, die bei Shakespeare dramatisch nicht so stark ausgeformt ist wie bei Verdi, gehört zu den schwierigsten Partien der Opernliteratur. Sie verlangt eine »Primadonna assoluta«, wie sie in jeder Generation nur ganz selten zu finden ist. Berühmt in diesem Zusammenhang mit Macbeth ist ein Brief Verdis an den Librettisten Salvadore Cammarano (1848), in dem er für die Lady Macbeth »una voce aspra, soffocata, cupa« (»eine scharfe, erstickte, dunkle Stimme«) wünscht. Verdi ging es um eine klare Abkehr vom stimmästhetischen Ideal des reinen Schönheitsgesangs, wenn er auch weiterhin auf den Prinzipien des Belcanto seiner musikalischen Vorgänger aufbaute. (Michael Kraus) Sichern sich Ihre Tickets für einen vergnüglichen Opernabend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at. (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien

27.09.

19:00

Oper

Alla Napoletana · Oper von Christina Pluhar & L’Arpeggiata

Theater an der Wien

Wien

27.09.

19:00

+ 5

Oper Wenige Tickets

La Boheme · Oper von Giacomo Puccini

Volksoper Wien

Wien

27.09.

17:00

+ 3

Oper

Lee Miller in Hitler's Bathtub · Oper von Maarten Seghers

Eine tragische Kantate Sprache: Englisch Oper ab 16 Jahren Hinweis: In dieser Produktion werden verstörende Bilder aus Kontexten von Verbrechen gegen die Menschlichkeit, Selbstmord und Missbrauch dargestellt. Zudem kommen stroboskopartige Lichteffekte zum Einsatz. Lee Miller in Hitler’s Bathtub ist weder ein historisches noch ein biografisches Porträt der Künstlerin Lee Miller und sollte als eine Mischung aus tatsächlichen historischen Ereignissen und fiktionalen Elementen betrachtet werden. Die Interpretation des Charakters von Lee Miller basiert auf künstlerischen Entscheidungen und den Vorstellungen von Jan Lauwers und kann von historischen Dokumenten oder Biografien abweichen. Einige Dialoge, Situationen und Interaktionen sind erfunden. Die Produktion ist nicht im Zusammenhang mit den Lee Miller Archives entstanden. Jan Lauwers, Kate Lindsey und die Needcompany bringen das Leben und die Lebenswelt einer der bemerkenswertesten Künstlerinnenpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts auf die Opernbühne im NEST: Lee Miller. Die Oper ist das Porträt dieser Frau, die am Ende ihres Lebens sagte, sie fühle sich wie eine Kuh, die trocken gemolken worden sei. Die Amerikanerin war Fotografin, Topmodel in New York, Surrealistin in Paris und Kriegsberichterstatterin der US-Army im Zweiten Weltkrieg. Sie war eine Frau, die im Schatten vieler Männern stand. Somit ist das Portrait nicht nur das von Lee, sondern von so vielen Frauen in der Geschichte der Kunst, die geknebelt wurden. Jan Lauwers' Schaffen als Schriftsteller und Theatermacher ist geprägt von starken Frauenrollen. Eine Frau, die ihn schon seit langem fasziniert, ist die amerikanische Künstlerin Lee Miller. (Kriegs-)Fotografin, Journalistin, Topmodel, Covergirl und Alkoholikerin. Missbraucht, verunglimpft, verehrt und ausrangiert. Und dann ist da noch dieses eine Foto: »Lee in Hitlers Badewanne« von David E. Scherman aus dem Jahr 1945. Was ging Lee durch den Kopf, als sie Hitlers Wohnung betrat und beschloss, sich in der Badewanne des Teufels zu waschen? Der Text beginnt in dem Moment, als Lee Miller in ihren stinkenden Kleidern, die noch immer nach dem Leichengeruch von Dachau riechen, vor Hitlers Badewanne steht. Jan Lauwers: »Das Libretto erzählt nicht die Geschichte von Lee Miller von der Geburt bis zum Tod.« Jan Lauwers ist fasziniert von der moralischen Unklarheit Lees als Frau in einer patriarchalischen Gesellschaft, in der rücksichtslos Machtspiele gespielt werden. Was bedeutet es für Lee, dass sie sich entschieden hat, in der Badewanne des Monsters ein Bad zu nehmen? Was bedeutet es darüber hinaus, sich dort fotografieren zu lassen? Das Libretto »Lee Miller in Hitlers Badewanne« ist das Porträt einer Frau, die sich am Ende ihres Lebens wie eine Kuh fühlte, die trocken gemolken worden war. Eine Frau, die im Schatten von vielen Männern stand. Berühmter Männer. Berüchtigten Männern. Jan Lauwers wollte ein Porträt machen, das nicht mehr das von Lee ist, sondern von so vielen Frauen in der Geschichte der Kunst, die geknebelt wurden. »Die Zusammenstellung des fünfköpfigen Ensembles aus Schlagzeug, Streichern, Posaune und Kontrafagott ist getrieben von der Suche nach dem Moment, in dem das autonome Instrument und sein Klang körperlich werden und der Instrumentalist zur Körperlichkeit wird. es wird durch den Dreck geschuftet, nicht über den Wolken geschwebt.« (Maarten Seghers) Die amerikanische Künstlerin Lee Miller fasziniert den belgischen Theatermacher Jan Lauwers seit langem als eine der starken Frauenfiguren, die sein Werk entscheidend beeinflusst haben. Lauwers beschreibt Lee Miller als »eine Frau im Schatten vieler Männer«. Von ihrer künstlerischen Zusammenarbeit mit Man Ray, dem Pionier der experimentellen Fotografie, wissen heute nur noch wenige, eher erinnert man sich an sie als Ehefrau des britischen Surrealisten Roland Penrose oder als Modell für Pablo Picasso. Am berühmtesten ist jedoch ein Bild von ihr: »Lee Miller in Hitler’s Bathtub«, aufgenommen vom Life-Fotografen David E. Scherman, mit dem Miller eng zusammenarbeitete. Die beiden hatten in Dachau das Grauen des Konzentrationslagers dokumentiert und fuhren anschließend nach München. Kurz nach Hitlers Selbstmord in Berlin am 30. April 1945 betraten sie dessen Wohnung am Münchner Prinzregentenplatz. Dort entstand das Foto. »Der Text«, so Jan Lauwers, »setzt in dem Moment ein, als Lee Miller in ihren stinkenden Kleidern, in denen noch der Leichengeruch von Dachau hängt, vor Hitlers Badewanne steht.« Lauwers interessiert sich dabei für die Ambiguität der Figur Lee Millers als einer Frau und Künstlerin in einer patriarchalischen Gesellschaft. Manche ihrer Bilder sind noch heute bekannt – bekannter als die Urheberin. Nach ihrer Heirat mit Roland Penrose und der Geburt ihres Sohnes arbeitete Miller kaum noch als Fotografin. Hinter ihrer späteren Alkoholkrankheit wird eine posttraumatische Belastungsstörung infolge der Kriegsereignisse vermutet. Der Essay Ein Porträt der Muse als Künstlerin der Dramaturgin Elke Janssens gibt Einblicke in Leben und Werk Lee Millers und in Fragen, die Jan Lauwers, sein Team und seine Darstellerinnen auf dem Weg zu Lee Miller in Hitlers Bathtub beschäftigt haben. (Quelle: nest.at)

NEST

Wien

30.08.

19:15

Oper

«Die tote Stadt» Erich Wolfgang Korngold - konzertant

Wolkenturm

Grafenegg

30.09.

19:00

+ 6

Oper Wenige Tickets

Tosca · Oper von Giacomo Puccini

Der ehemalige Konsul Angelotti ist der Gefangenschaft entkommen. In der Kirche Sant’Andrea della Valle trifft er auf den Maler Mario Cavaradossi, der ihm hilft. Doch es gelingt dem Polizeichef Scarpia, Cavaradossi auf die Spur zu kommen: Er soll hingerichtet werden. Für seine Rettung verlangt Scarpia von Tosca, der Geliebten Cavaradossis, körperliche Hingabe. Sie willigt ein, erhält die Zusage einer Scheinhinrichtung – und ermordet Scarpia. Dieser hat sie jedoch betrogen, und Cavaradossi wird tatsächlich erschossen. Für Tosca ist das Leben sinnlos geworden, und sie stürzt sich von der Engelsburg. Für viele Zuschauerinnen und Zuschauer ist Margarethe Wallmanns Tosca-Inszenierung eine besonders gelungene und atmosphärisch-stimmungsvolle. Es ist die älteste Regiearbeit im Haus am Ring (Premiere 1958) – doch ist der Zauber dieser traditionsreichen Produktion ungebrochen. In plastisch-wirkungsvollen Bildern werden die Liebesgeschichte von Cavaradossi und Tosca und die politische Handlung eindrucksvoll miteinander verwoben, der Bühnenraum und die Kostüme von Nicola Benois zeugen von einer so klaren wie eindrücklichen Bildsprache. Für Generationen von Wiener Opernbesucherinnen und Opernbesuchern ist die Wallmann’sche Inszenierung schlechthin eine Tosca -Produktion. Einen zusätzlichen Reiz erhält die Produktion durch die beeindruckende Anzahl namhafter Künstlerpersönlichkeiten, die in genau dieser Regie, in genau diesen Dekorationen und in genau diesen Kostümen in erinnerungswürdigen Vorstellungen vor das Wiener Publikum getreten sind. Giacomo Puccini spielte in dieser Oper die Sphären der Kunst und Politik gegeneinander aus und schuf ein Meisterwerk von dramatisch zupackender Musik, aber auch berückender Schönheit. Arien wie »E lucevan le stelle« oder »Vissi d’arte« zählen nicht nur zu den bekanntesten Momenten des Werks, sondern wurden geradezu Ikonen der Operngeschichte. Giacomo Puccinis Tosca , uraufgeführt 1900 in Rom, basiert auf dem Schauspiel La Tosca von Victorien Sardou, einem damals berüchtigten Kolportagestück, das Sarah Bernardt in der Titelrolle zum Erfolg führte. Puccinis Oper spielt an zwei ganz exakt festgelegten Tagen: am 17. Juni 1800, einem Dienstag, und im Morgengrauen des folgenden Mittwochs. Bei den drei Spielorten der Tosca – die Kirche Sant’Andrea della Valle, der Palazzo Farnese und die Engelsburg – handelt es sich um tatsächlich existierende Bauwerke in Rom. Auch die Glockenklänge zu Beginn des dritten Aktes soll der Komponist der Stadt abgelauscht haben: Er holte vor Kompositionsbeginn physikalisch-akustische Informationen über den Klang der Glocken ein. Sichern Sie sich Ihre Tickets für einen unvergesslichen Abend in der Wiener Staatsoper und buchen Sie Ihre Karten jetzt auf viennaticket.at (Quelle: wiener-staatsoper.at)

Staatsoper Wien

Wien